lunes, 28 de febrero de 2011

Reseña: Xenogenesis


No me gusta ser crítico... de verdad que no.

Noté que mis últimos comentarios habían sido bastante negativos hacia las revistas en cuestión, así que me pregunté a mi mismo "Mismo... ¿qué revista es casi una apuesta segura como para que se transforme en una recomendación?" y viendo que Astonishing X-Men: Xenogenesis era una miniserie autoconclusiva de 5 partes, a cargo de Warren Ellis y Kaare Andrews, pensé que se trataba de un apuesta segura... o casi.

La Historia: En el ficticio pueblo de Karere, dentro del ficticio pais de Nbangawi, África Oriental, se ha producido un fenómeno de interés para los X-Men: una enorme cantidad de recién nacidos muestra habilidades mutantes. Las consecuencias han sido desastrozas para la pequeña comunidad, pero dado su status de "especie en peligro de extinción", constituye una fuente de esperanza para la menguante población de mutantes del planeta, por lo que un equipo de X-Men liderados por Cyclops e integrado por Storm, Emma Frost, Beast, Wolverine y Armor, viajan a África a investigar los acontecimientos.

Tal como lo predice Wolverine, el viaje resulta más peligroso de lo que esperaban y tras investigar la fuente de las mutaciones, descubren una amenaza mayor de lo que podrían haber imaginado.

El Dibujo: A Kaare Andrews no lo conocía más allá de saber que es un nombre popular en la industria. Su dibujo exagerado, casi caricaturesco, me resultó sumamente atractivo, sin embargo hubo algunas secuencias en que tuve problemas para entender lo que estaba pasando o que sentí algún problema de continuidad, un par de secuencias que se me vienen a la cabeza es aquella en que los X-Men descienden de su nave y son rodeados por el ejército. Hay una explosión al inicio de la batalla que no tengo idea de dónde vino, da la impresión de venir de atrás del ejercito, como si les hubiesen lanzado una granada, pero no hay ningún personaje en esa ubicación al comienzo o al término de la secuencia. También me llamó la atención que a Cyclops le creciera la barba entre el momento en que se baja del avión y que llegan a la aldea, como si hubiesen caminado de un lado al otro al menos durante una semana. Más allá de eso (hay un par más, pero sería aburrido detallar c/u de la secuencias), que en realidad son "detalles" a la hora de analizar la revista, el dibujo es atractivo y contiene una buena cantidad de gags visuales (la mayoría de ellos relacionados con la voluptuosidad de Emma Frost), como para entretenerse contemplando la revista.

Comentarios: La mayoría de los problemas que tuve con esta revista pasan por el guión de Ellis.

Cuando se lanzó esta serie, Marvel la promocionó como integrante de una línea de series o un imprint, dedicado a publicar cómics de fácil acceso para lectores nuevos, a la vez de estar conectados con la continuidad tradicional del Universo Marvel. Bueno, si ese era el propósito, fallan un poco al desarrollar una historia que se vincula fuertemente a algunas aventuras pasadas de los X-Men, más específicamente con Jim Jasper, un personaje aparecido en el Captain Britain de Dave Thorpe, Alan Moore y Alan Davis (supongo que hay peores historias que revisitar) y el Doctor Crocodile otro personaje aparecido originalmente en los cómics de Marvel U.K.

En segundo lugar... ya he expresado que no me parece que los superhéroes funcionen bien cuando se los asienta firmemente en la realidad, pero los X-Men de esta historia tienen poderes que los hacen aptos para ese tipo de crossover Realidad/Ficción. Mi problema es que Ellis aborda un tema peliagudo donde los haya, la realidad sociopolítica africana, y lo hace mezclando cierto grado de juicio moral, con cinismo con ambigüedad ética en la dosis exacta como para que nada prevalezca y uno quede aún más confundido. Ellis tiene éxito a la hora de plantear preguntas, pero hace que la mayoría de los personajes reaccionen con grados similares de cinismo, lo que no me parece correcto cuando uno de los personajes es una adolescente y si recuerdo bien mi adolescencia, ellos tienden a ser más radicales y mostrar cierta aversión a la ambigüedad moral.

Me tocó alguna vez estudiar la realidad política de un país africano, Nigeria. Debo decir que jamás imaginé la cantidad de brutalidades que pasan en ese país (en tiempo presente), y lo complejo que es su balance de poderes... no tengo acercamiento alguno a la realidades de otros países de África, pero imagino que la complejidad será similar y en ese aspecto, a pesar del discurso que hace Ellis a través de personajes como Wolverine o N'Dingi, la historia se queda corta. No sé, me habría gustado mayor elaboración o una opción más sana, dejar de lado cualquier alusión a ese tipo de situaciones.

Astonishing X-Men: Xenogenesis es una revista relativamente entretenida, tiene una buena dosis de acción, pero a ratos el tema político empantana el avance de la historia. Los puntos negativos son los que les mencioné, por lo que si conocen la historia original de Jim Jasper y no tienen interés en analizar demasiado los temas políticos planteados en la revista, probablemente la disfrutarán más que yo. Para todos los demás: Recomendada con Reservas (6/10).

Evaluación:


Deja tus comentarios o escríbenos directamente a comicverso@gmail.com

viernes, 25 de febrero de 2011

Superman: Earth One

Superman: Earth One es una Novela Gráfica publicada por DC Comics en Octubre de 2010 como parte de una línea de proyectos que en palabras de la Editorial corresponden a: "Historias originales protagonizadas por Batman y Superman en formato de novela gráfica, realizados por los más grandes creadores que existen. Pero no se trata de unitarios. Hablamos de una serie regular de novelas gráficas dentro de una nueva continuidad, en una nueva Tierra".

O la impresión que me dejó a mi: "¡Y si Superman formara parte del universo Ultimate de Marvel Comics?"

La labor creativa de este proyecto recayó en J. Michael Straczynski y Shane Davis (en la Novela Gráfica de Batman trabajan Geoff Johns y Gary Frank), y para mi no constituye más que otro paso en falso que da el laureado escritor en su nueva casa editorial (exclusiva).

Pero me estoy adelantando un poco... partamos por la trama.

"Superman: Earth One" es (nuevamente) una re-elaboración del origen de Superman, presumiblemente con el objeto de alcanzar audiencias más amplias que el lector asiduo de cómics o el sacrificado seguidor de Superman. Cuenta la historia de Clark Kent, un muchacho de veintialgo años de edad, recién llegado a la gran ciudad (Metropolis), que carga con un aura de angustia adolescente y existencialismo dignas de Holden Caulfield (el protagonista de la Novela "El Guardián entre el Centeno" de J.D. Salinger). Clark tiene toda la vida por delante y Straczynski es un poco majadero en recalcar que se trata de un tipo tan inteligente y atlético que probablemente podría ser el mejor y el más competente en cualquier profesión que llegue a elegir. Es así como pasamos una buena cantidad de páginas viendo cómo Clark obtiene ofertas de trabajo excelentemente bien remuneradas en profesiones tan dispares como: al probarse como jugador para un equipo de Fútbol Americano o resolver fórmulas químicas avanzadas para una firma de investigación científica, etc, etc.

Clark tiene las capacidades para destacar en cualquier campo que elija, sin embargo se trata de un joven que ha perdido a su padre, que no consigue descubrir qué es lo que quiere hacer con su vida, relativamente atormentado por desconocer su origen, solitario al no sentirse parte de la sociedad en que vive y que es hasta cierto punto dominado por la apatía.

Toda esta aburrida miseria poco original es interrumpida por una Invasión extraterrestre (¡gracias!). El origen y propósito de la Invasión son el eje de la historia y en torno a ella se construyen las mayores modificaciones de la continuidad tradicional del personaje, de modo que evitaré darle mayores detalles sobre la misma para el caso que se animen a leer la historia, pero valga la advertencia que la mayoría de estas innovaciones parecen instrumentales (o utilitarias), en la re-construcción que propone Straczynski del personaje, y que no se resuelven completamente, dejando lugar para la ya anunciada secuela de esta Novela Gráfica. La Invasión se transforma (lógicamente), en un punto de inflexión en la vida de Clark y fuerza su mano en la decisión de convertirse en Superman.

El apartado gráfico de la serie corre por cuenta de Shane Davis y debo decir que no me gustó mayormente. Conocí el trabajo de Shane Davis cuando dibujó una miniserie de Mystery in Space protagonizada por el Captain Comet y otros personajes espaciales de DC Comics hace unos 4 o 5 años atrás. En aquella época me pareció un dibujante fuermente influenciado por Jim Lee que tenía mucho margen de progreso y que prometía transformarse en un talento a seguir en el futuro. Si bien parece haberse establecido como un dibujante confiable y atractivo para la compañía (al punto que le asignaron un proyecto importante como éste), su arte no ha progresado tanto como uno hubiese querido, lo que es más preocupante, parece haber optado por una estética que a mi gusto no lo favorece. Dibujos como el de Jim Lee funcionan en la medida que tengan un adecuado trabajo de línea que le de forma al dibujo, cuando falta "tinta" en la página, generalmente pierden atractivo. A esta novela le habría venido bien el entintado de Scott Williams, por ejemplo, sin embargo se optó por un entintado a cargo de Sandra Hope que hace que algunas líneas se vean incompletas o "sucias", lo que no es ayudado por el trabajo de coloreado, ya que en ocasiones la colorista (Barbara Ciardo), convierte a color el trazo del dibujante, restándole definición al dibujo. Tal vez lo más interesante del trabajo de Davis sea el esfuerzo que puso en el diseño de la tecnología alienígena y en trabajar la escala de los objetos a fin de que uno pueda dimensionar el impacto de tener un flota de extraterrestre flotando sobre la ciudad, pero eso no alcanza para perdonarle la poca expresividad que aporta a los personajes de una historia que es esencialmente existencialista.

Ahora, esta es una mala impresión basada en gustos personales e imagino que hay unos cuantos que admiran y disfrutan el trabajo de Shane Davis, así que aquí les dejo algunas páginas de muestra que publicó la editorial para que se hagan una idea del apartado gráfico de la revista.



Han pasado alrededor de dos años desde la llegada de Straczynski a DC Comics y todavía estoy esperando sentirme impresionado o al menos entretenido por su trabajo en la compañía. Analizando fríamente los números cuesta entender que DC le haya levantado este escritor a Marvel: The Brave & the Bold fue cancelada, la línea Red Circle fue un fracaso absoluto, su relanzamiento de Wonder Woman ha resultado más engorroso que atractivo y su trabajo en el arco argumental "Grounded" de Superman, ha cosechado pésimas críticas (a las que adhiero plenamente). Obviamente Straczynski viene precedido de pergaminos bien ganados, por lo que nada hacía presumir que su trabajo en DC no fuera a resultar tan atractivo y aclamado como el que hizo para Marvel.

Los mayores problemas que tengo con esta historia pasan por el hecho de que, para alguien que ha leído al personaje, no se siente como una historia de Superman . No soy fan de Superman (ni cerca), pero para mi la idea básica del personaje no pasa por los poderes que tiene, sino por su fortaleza moral, su integridad, su capacidad de tomar decisiones apropiadas ante dilemas imposibles o de encontrar una "tercera vía", ante dichos dilemas.

Recuerdo un artículo de Mark Waid de hace algún tiempo, donde enseñaba a escribir cómics (o escribir en general), y hablaba de los "falsos dilemas", como un problema clásico a la hora de crear una historia. Según explicaba: "Recuerden, la definición de "dilema" no es una "situación complicada", es "tener que elegir entre dos situaciones igualmente insatisfactorias.". Para Superman sería un dilema tener que elegir entre salvar a Ma' Kent o a Lois Lane, sabiendo que sólo puede salvar a una de ellas... que necesariamente la otra va a morir. La novela plantea como dilema que Superman siga ocultando su identidad y conserve la posibilidad de vivir una vida normal, o que revele su existencia y poderes al mundo, ya que de lo contrario el villano matará a todos los habitantes del planeta. ¡¿Qué clase de dilema es ése?!: "¡Revela tus poderes o vive solo en un planeta yermo hasta el fin de tus días!", no hay realmente una "puerta B" para elegir.

Straczynski ha trabajado como periodista, por lo que no es extraño que la conversación de Clark Kent con Perry White sea de lo más entretenido que tiene la revista. Tal vez como una extensión del anhelo de utilizar el periodismo como metáfora de la "la lucha por la verdad" que caracteriza a Superman, el Daily Planet, a través de sus más famosos trabajadores (Perry, Lois, Jimmy), se transforma en un protagonista más de la historia, incluyéndose un segmento al término de la historia, formado por una entrevista realizada por Clark a Superman y una Editorial de Lois Lane sobre la Maravilla de Metropolis. La entrevista tiene un estilo coloquial que a mi me resultó extraño, aunque no me molestó tanto como la personalidad algo pedante, egocéntrica y autoconciente con la que aparece Superman (en mi opinión, por supuesto).

En lo que a mi se refiere, creo que Straczynski no entiende a Superman y hace grandes esfuerzos por interpretarlo de una manera que le haga sentido. Esa manera probablemente no le va a gustar a quienes conozcan al personaje, pero es posible que le resulte atractiva a quienes no conocen a Superman o detestan su caracterización habitual.

"Superman: Earth One" al parecer resultó ser un gran éxito ya que entusiasmó lo suficiente a la Editorial como para pedirle a Straczynski que se ponga a trabajar en una secuela de inmediato, movida que obligó al escritor a dejar botado su trabajo en las series regulares de Superman y Wonder Woman. La decisión puede parecer algo radical, pero si uno es cínico podría pensar que se trata de un ejercicio de control de daños ante la pobre acogida que tuvieron ambos proyectos de Straczynki: dejar al escritor exclusivo, al que le tenemos que pagar aunque no haga nada, a cargo de la secuela del único proyecto que ha hecho para nosotros que ha sido medianamente exitoso. Creativamente hablando, creo que Earth One no es un gran trabajo, es apenas mediocre y dudo que aunque me desprendiese del arquetipo con el cual visualizo a Superman, pudiera este trabajo subir un par de puestos en mi escala apreciativa.

Otra razón para que no me guste la revista: el re-diseño del traje de Superman me pareció malo y completamente innecesario... a medio camino entre el traje clásico y el de "Superman: Returns".


Lean "Superman: Earth One" bajo su propio riesgo. No es la Peste Negra, pero no se las recomiendo.


Deja tus comentarios o escríbenos directamente a comicverso@gmail.com

miércoles, 23 de febrero de 2011

Kirb Your Enthusiasm

Viñeta de la historia “Dead Man’s Lode!” publicada en Black Magic #4 (Marzo, 1952)
Hace unos días comenzó una serie de artículos sobre Jack Kirby en hilobrow.com titulado Kirb Your Enthusiasm. En cada artículo un comentarista distinto escribe sobre una viñeta de algún cómic de Kirby: hoy se pueden ver artículos de Gary Panter y Dan Nadel entre otros, y en los próximos días vendrán artículos de Mark Newgarden, Dean Haspiel, Glen David Gold y varios más. Vale la pena revisar el sitio todos los días.

Curiosamente, en la mayoría de los posts publicados hasta ahora los autores han escogido imágenes posteriores a 1970, cuando Kirby abandonó a Stan Lee como colaborador para dedicarse principalmente a dibujar cómics escritos por él mismo (años antes de eso había terminado su asociación con el otro escritor importante de su carrera, Joe Simon).

En esa época los guiones de Kirby eran duramente criticados por ser poco "realistas" o por no tener diálogos como los de Stan Lee, mientras que el dibujo se criticaba por ser muy abstracto y caricaturesco (muy distinto al pseudo-realismo de artistas como Neal Adams y otros).

Hoy día sin embargo se aprecia más el individualismo y la creatividad de Kirby: obras como su New Gods, Kamandi y The Eternals son valoradas por varios (me incluyo) como pequeños clásicos (aunque a veces manchados por un poco de interferencia editorial o por cancelaciones abruptas que nos dejan con ganas de haber visto cómo Kirby hubiera continuado estas series).

Incluso las obras menos conocidas de Kirby, como su trabajo post-1980 en series independientes como Captain Victory y Silver Star sirven para que autores como Kurt Busiek y Alex Ross las reinterpreten y ocupen para lanzar una nueva línea de cómics. Cuando Kirby falleció en 1994 no era fácil encontrar recopilaciones de su obra. Hoy día, casi todas sus obras importantes han sido reimpresas (la época Golden Age, la época Simon & Kirby, la época Marvel, la época de los 70's tanto en Marvel como DC, la época post-1980), sus personajes siguen apareciendo en varias editoriales, su trabajo se sigue discutiendo y analizando y en resumen, Kirby parece estar más vigente que nunca.

Deja tus comentarios o escríbenos directamente a comicverso@gmail.com

martes, 22 de febrero de 2011

EeC: La Muerte y los cómics (otra vez).


Este artículo revela eventos ocurridos en el #587 de la serie Fantastic Four de Marvel Comics. Si no deseas enterarte del desenlace de esa historia, no sigas leyendo.

Última oportunidad para dejar de leer el artículo. ¿no? Ok, pero sin reclamar.

El pasado 26 de enero fue publicado el #587 de los Fantastic Four y uno de los personajes centrales de la serie pasó a mejor vida (aparentemente). Se trata se Johnny Storm, alias La Antorcha Humana (Human Torch), dueño del famoso grito de guerra "Llamas a mí" ("Flame on!")... últimas famosas palabras (aparentemente).

Me suele pasar cuando un personaje de cómics se "muere", que me da rabia. La razón es que generalmente estas muertes son muy marketeras, están diseñadas para atraer la atención de los lectores y también porque la mayoría de las veces dejan mucho que desear: ocurren al pie de página de alguna macrosaga donde se necesitan cadáveres para dar a entender que la amenaza es seria; son parte algún especial sacado sin mayor reflexión; son parte de algún edicto editorial de renovación o de "vuelta atrás".

Muy rara vez me ha ocurrido que estoy siguiendo la serie en cuestión y matan al personaje y no me enojo porque todo parece estar en perfecta armonía con el desarrollo de una historia que no ha concluído y a la cual quiero darle la oportunidad de desenvolverse. Marvel ya se ha anotado con dos: Captain America (Steve Rogers) y ahora con The Human Torch.

Lo raro de estar en esta parte de la vereda es que yo suelo estar al lado contrario, despotricando contra la inutilidad de la muerte o la baja calidad de la historia y estoy realmente sorprendido de sentir la necesidad de abogar por la historia de Jonathan Hickman, aunque en realidad sea un poco innecesario... me ha costado encontrar comentarios negativos sobre la revista (igual tuve algo de suerte). Me gustó de hecho que Hickman se hiciera cargo del escepticismo natural que genera una historia como ésta en la entrevista que concedió a Newsarama:
Nrama: Hablando de comentarios de los lectores, desde tu perpectiva como escritor de algo como esto, ¿cuál es tu reacción cuando escuchas escepticismo como "Oh, esto van a cambiarlo en dos años", o "Estoy cansado de estas muertes sin sentido". Estoy seguro de que hasta cierto grado las esperas, pero no te frustra un poco?

Hickman: No, no me frustra en lo absoluto. Creo que ese tipo de cinismo está bien ganado y es bien merecido. Creo que matar sólo por el impacto que genera, o para provocar conversación o producto del trabajo descuidado que a veces hacemos, creo que eso merece burla, y estoy perfectamente de acuerdo con que la gente se moleste por eso. No creo que esté fuera de lugar en lo absoluto.

Pero en este caso, siempre formó parte de la historia. Creo que estas cosas siempre son juzadas por sus méritos. Creo que sin importar lo que la gente diga hoy, si leen la historia, de dónde vino y hacia dónde va, será o no parte orgánica de la historia. Y si no lo es, es fraudulento; pero si lo es, la gente lo respeta. Hoy nadie está molesto con Grant Morrison por lo de Batman. Había una historia que estaba contando, y tenía todo el sentido del mundo. No tengo problemas con los lectores y sus reacciones.
Me llamó la atención en su momento que Hickman fuese tan enfático en reconocer y hacerse cargo del que suele ser el problema con la mayoría de las muertes en los cómics (un ejemplo: El nuevo Atom en el especial que lanzó la última etapa de los Titanes), ya que cuando los lectores se vuelven molestos suele ser más fácil burlarse de ellos que reconocer errores, pero su jefe, Tom Brevoort, fue igualmente claro en el mensaje: Que la muerte del personaje sea en lo posible parte de una construcción mayor, de una historia (no es que siempre lo consigan, la muerte de Hawkeye fue bastante idiota).
[Sobre cómo se gestó el proyecto de Hickman y la idea de matar a Johnny Storm] (...) Has hablado con Jonathan [Hickman], estoy seguro y has visto la forma en que funciona su cerebro. Tiene una mente como pocas, esto para decir que se trata de un planificador inveterado. Piensa en grande, piensa a largo plazo y piensa amplio. Cuando empezamos a hablar de lo que podría hacer con los Cuatro Fantásticos, fue y vino con un gran plan maestro. Y ese plan cubría todo lo que ha pasado hasta ahora y al menos otro año o 18 meses más, cosas que estan más allá de lo que has visto (...) Hablamos de esto desde el principio, así que no fue el caso que tuviera que convencerme de que "esto no es un truco", porque ya tenía todo planificado.

(...) Si no hubiese pensado que la historia valía la pena -- que la muerte era importante e importaba y que era genuina y que llevaría a los personajes en la dirección que tenía pensada -- entonces no estaríamos aquí. Hace 17 números, alguien más habría estado escribiendo los "Fantastic Four".

Para mi esta historia se trata de lo siguiente: La muerte de una de las pocas experiencias de la vida con la cual absolutamente todos los organismos de este planeta deben lidiar y van a experimentarla en algún momento (...) Mientras cuentes esta historia de un modo genuino, que realmente se encargue de enfrentar estos problemas y el final que a todos nos espera al término del camino, entonces estás cumpliendo el trabajo de un narrador de historias. Que es encontrar maneras que le permitan a todos enfrentarse con estas grandes circunstancias que acechan su propia existencia -- comprenderlas y enfrentarse a ellas. Eso es lo máximo que puede esperarse de una historia sobre la muerte de un personaje en casi cualquier medio.

Dentro del contexto de "Fantastic Four", la muerte de un miembro de la familia y la muerte de alguien que significará algo distinto para Reed y para Sue y para Ben y para Val y para Franklin... esa es una historia que puede ser verdaderamente profunda dentro del entorno de una familia (...)
Realmente cuesta no estar de acuerdo.

Se podrá permanecer escéptico al respecto, en el sentido de no creer que el objetivo planteado por el escritor y el editor de la serie se logre, pero cuesta no estar de acuerdo con la idea base. De hecho, los Fantastic Four fueron publicados por primera vez en Noviembre de 1961, este año cumplen 50 años de historia y si seguimos la numeración que tiene la serie, faltan apenas 13 números para que aparezca el #600 de la serie. Cuesta cree que la primera familia no llegará a tales eventos con la totalidad de sus integrantes, pero aunque así fuera, difícilmente le restaría mérito al trabajo de Jonathan Hickman y cía.

Ahora, yo no creo que la muerte de Johnny Storm se trate de una de las mejores historias que haya leído en mi vida, ni creo que pueda aprender mucho sobre enfrentar la muerte de un ser querido leyendo cómics, pero si no vienen leyendo la serie, pueden tomarse muy en serio las palabras de Brevoort en cuanto al estilo de trabajo de Hickman. Desde que empecé a leer a Hickman (aparte de los F4 he leído su trabajo en la serie S.H.I.E.L.D.), creo que he estado más cerca que nunca de volver a sentirme como la primera vez que leí el trabajo de Grant Morrison (Animal Man #1-#26). Efectivamente se siente que la historia que uno lee, en cada capítulo es autosostenible y a la vez parte de una construcción mayor, donde cada elemento adquirirá peso y valor propio.

Por lo pronto Marvel ha decidido jugar al misterio. Para el mes de Marzo se anuncia el lanzamiento de una nueva serie llamada simplemente "FF", a cargo del mismo equipo creativo que nos trajo la muerte de Johnny Storm: Jonathan Hickman y Steve Epting. Para evitar revelar sobre cuáles serían las novedades de esta nueva colección y dar pistas de cuál sería el Fantástico que acabaría muerto al final de la saga "Three" (la información de publicación de esa revista salió en el mes de Octubre), han promocionado la nueva serie de la siguiente forma:


Bastante ingenioso. Pero como suele pasar... la mano izquierda no sabe lo que hace la mano derecha. Y aunque se esforzaron en mantener la información con el carácter de "clasificada", para los meses de Marzo y Abril. Se les olvidó hacer lo mismo con el mes de Mayo, donde la portada de FF #4 revela el nuevo traje de Mr. Fantastic y la portada de Amazing Spider-Man #660 no sólo revela el traje de toda la familia, sino que el hecho de que Spider-man será el nuevo integrante del grupo, en reemplazo de Johnny Storm.

      

Por lo que se hacía necesaria una declaración oficial.

Lo que me alegra de todo este asunto es que Marvel se ha encargado de darle todo el apoyo posible al trabajo de Hickman. Mientras DC Comics lanza una etapa nueva de Superman y Wonder Woman con J. Michael Straczynski, que no sólo resulta un desastre creativo sino que seis meses después el escritor deja las series para dedicarse escribir la secuela de la Novela Gráfica "Superman: Earth One", o pone un carrusel artístico como apoyo para el relanzamiento de Birds of Prey, mostrando una política editorial que más parece un juego de tirar tallarines a la pared a ver qué queda en pie. Marvel toma a un creador que viene del cómic indepediente (The Nightly News, Pax Romana), lo entrena en series menores (Secret Warriors, Dark Reign: Fantastic Four), luego le acoge un proyecto grande para una serie emblemática, apoya con muchísima publicidad el mayor punto de inflexión de la historia (imagino que habrán escuchado en la radio o leído en los periódicos sobre la muerte de Johnny Storm) y finalmente relanza la colección permitiendo que su personaje más popular (Spider-man) forme parte del grupo... sinceramente, más no se puede pedir. El día y la noche.

Hickman tenía una historia que contar. Esta historia que partió en el #570 de la serie de los Fantastic Four ha sido interesante, entretenida, a ratos compleja y en el desenlace de este primer acto, bastante conmovedora. Definitivamente se ha ganado el derecho de que quien quiera criticarlo, se de el trabajo de leer primero la serie... yo dudo que luego de eso le queden muchas ganas de reclamar.

Gracias por la paciencia. De regalo les dejo un Wallpaper con Ben Grimm y los sobrinos de Johnny lamentando su muerte (aparente), en formato compatible con pantallas de proporción 16:9.

1366px * 768px


Deja tus comentarios o escríbenos directamente a comicverso@gmail.com

lunes, 21 de febrero de 2011

Wally Wood y el otoño del dibujante

El fin de semana estuve leyendo un muy buen artículo sobre la carrera de Wallace Wood, escrito por Dan Nadel.


Wood hizo excelentes trabajos en los comics EC de los años 50s (es recordado por su trabajo en Mad y en las revistas de ciencia ficción de la editorial, pero también dibujó comics de guerra y de crimen). La EC cerró su división de comics a mediados de la década, y Wood siguió colaborando en Mad (que pasó a ser una revista en blanco y negro) por unos años, hasta que su asociación con la publicación terminó por motivos (como Nadel describe) relacionados a su alcoholismo. Una pena, pues estaba haciendo trabajos de cada vez mayor calidad.


En los 60's dibujó unos pocos números de Daredevil escritos por Stan Lee (en donde Wood aparentemente diseñó el traje rojo del personaje que todos conocemos). Son algunos de mis episodios favoritos del personaje: excelente dibujo, llenos de color, visualmente muy imaginativos (la pelea contra Namor en el número 8 es un clásico, sobre todo por cómo Wood logra hacer una pelea creíble pese a la disparidad de poderes entre ambos personajes). Wood terminó abandonando la serie porque no le gustaba el método Marvel que impulsaba Stan Lee: según Wood era hacer el trabajo del dibujante y el escritor, pero recibiendo sólo el sueldo del dibujante. (El método Marvel consistía en que el dibujante recibieran una breve sinopsis para que luego él decidiera cómo distribuía la historia a lo largo de las veintitantas páginas, agregando más detalles a la historia. El escritor después tomaba los dibujos e inventaba el diálogo.) A mi juicio, y sin desmerecer el talento artístico de los que vinieron después (John Romita, Gene Colan), la serie Daredevil se puso muy aburrida tras la salida de Wood.

Y aquí viene la parte interesante: Wood empezó a interesarse en la autopublicación, en ser dueño de su revista, de sus creaciones. Creó la antología Witzend y dio un espacio tanto a veteranos como Steve Ditko como a talentos jóvenes como Art Spiegelman. La antología no duró muchos números, y Wood por varios años siguió oscilando entre series propias y trabajo para pagar las cuentas, hecho para editoriales como Marvel, DC, Warren, y otras.

Lamentablemente sus demonios personales terminaron cobrando su precio, Wood decide suicidarse en 1981. Al final de su carrera hizo unas parodias pornográficas de personajes de comics que son francamente muy, muy tristes: una combinación de un dibujo pobre con un humor muy burdo. Wood tenía la capacidad de hacer obras más ambiciosas (lo demuestra su Wizard King de unos años antes), pero no encontraba cómo hacerlo en una forma que le fuera económicamente rentable. Había muy poco espacio para obras de ese estilo, y el temperamento de Wood no era el de otros artistas de su generación, capaz de dibujar o entintar la misma serie durante décadas.

Lo interesante de la historia es esto último: la insatisfacción de Wood. Quería hacer algo distinto, pero no había una industria para eso.Y aunque la hubiera habido, no es del todo claro que Wood hubiera sido capaz de aprovecharla.

En artículos posteriores al de Dan Nadel, tanto Jeet Heer y Gary Groth repasan las historias de otros creadores que similarmente a Wood trataron de salir de las restricciones del comic comercial para hacer obras más personales, pero sin lograr hacerlo del todo exitósamente. Más allá de las dificultades económicas, se puede ver en las carreras de otros grandes talentos como Gil Kane y Alex Toth una limitación interna, una incapacidad de salir de las convenciones mismas de los comics comerciales que tuvieron que dibujar por tantos años.


Cuando tuvieron la oportunidad de hacer comics con más libertad lo que terminaron haciendo fueron comics con un poco más de sexo y violencia que lo normal (como His Name Is Savage y Blackmark de Gil Kane), o comics visualmente muy creativos pero no de mucha profundidad (Bravo for Adventure de Alex Toth). Trabajar años haciendo lo mismo tiene un precio. Los dibujantes que se dieron cuenta que les faltaba algo, que sintieron una cierta insatisfacción creativa al acercarse a los 40 años, no lograron aprovechar del todo los espacios de libertad que lograron conseguir. Will Eisner logró hacer algo artísticamente más logrado en la segunda fase de su carrera, pero se nota también un cierto desgaste en sus últimas obras.


Lo que tenemos son breves vistas de lo que pudo haber sido. Vemos las seis páginas del autobiográfico "Street Code" de Jack Kirby de 1983 (vean la impresionante imagen de arriba), y nos damos cuenta de lo que pudo haber hecho Kirby si no hubiera estado obligado económicamente a trabajar en el género de comics de aventuras. O podemos ser grandes admiradores de la obra de Carl Barks, de los comics de Donald Duck y Uncle Scrooge que dibujó por décadas (algunos de los mejores comics comerciales de todos los tiempos) y quedar completamente sorprendidos cuando leemos a Barks decir en una entrevista que hubiera preferido poder dibujar historias con seres humanos, no con patos. (Guardando las proporciones, se debe parecer a la sorpresa que Gary Groth expresa cuando en una entrevista a Joe Kubert éste le cuenta que nunca le interesó mucho dibujar comics de guerra.)

Hoy día por distintos motivos tenemos una situación distinta. Económicamente las cosas no son mucho mejores, hasta quizás son peores para muchos creadores. Pero por lo menos es posible para creadores jóvenes entrar a la industria del comic sin tener que pasar 10 a 15 años dibujando las ideas de otros. Está el ejemplo de la generación de dibujantes underground (herederos del Mad de Harvey Kurtzman en donde dibujaba Wallace Wood), el ejemplo de Robert Crumb, de Art Spiegelman, de antologías como Arcade, Weirdo, o RAW.

Podemos ver a un David Mazzucchelli que tras pasar por la misma serie que dibujara Wood (Daredevil), y haciendo el triple de los números que Wood hiciera, es capaz de abandonar ese tipo de comics para reinventarse completamente en su serie Rubber Blanket y en su reciente novela gráfica Asterios Polyp. Y para qué hablar de los que nunca pasaron por Marvel o DC: Daniel Clowes, Jaime y Gilbert Hernandez, Chris Ware, etc.

Por supuesto que estos nuevos artistas también deben tener sus crisis artísticas y creativas. Pero lo destacable es que han logrado presentar su propio trabajo, con concesiones mínimas a las modas comerciales.

Se podría seguir hablando mucho más del tema, se me ocurren varias tangentes a explorar, pero por ahora prefiero dejarlas para artículos posteriores.


Deja tus comentarios o escríbenos directamente a comicverso@gmail.com

CC: Area 10



Bienvenidos nuevamente a mi humilde columna. Han pasados varios meses desde la última vez que me senté a escribir una Crónica Comiquera, pero suele pasar que cuando uno hace las cosas sólo por gusto, el gusto a veces se toma un par de meses de vacaciones.

Area 10 es una Novela Gráfica Original publicada por DC Comics a través de su sello Vertigo, obra de Christos N. Gage y Chris Samnee. Que sea una "Novela Gráfica Original" tiene un implicancia sutil, pero bastante importante, a diferencia de la mayoría de las NGs que han leído, que son recopilaciones de material que originalmente se publicó en forma serializada, esta historia fue diseñada y ejecutada en un formato más extenso... no parece muy relevante, pero afecta significativamente el ritmo de la revista y las posibilidades del equipo creativo de jugar con la narrativa, no estando obligados a presentar un capítulo completo por entrega, que luego formen un todo.

Area 10 es una historia algo extraña, leyéndola me pareció que habría sido un excelente capítulo de la mejor época de los X-Files, aunque perfectamente funcionaría como película si alguien tuviese el interés de filmarla. El protagonista es el Detective Adam Kamen de la Policía de New York, quien junto a su compañero investiga los crímenes cometidos por un asesino en serie apodado Henry the VIII (Enrique VIII), por la sencilla razón de que decapita a sus víctimas y hasta el momento sólo han dado con los cuerpos de éstas, sin haberse aún acercado a entender los motivos de los asesinatos o qué puede estar haciendo el asesino con las cabezas de sus víctimas.

La historia toma un brusco giro, cuando atendiendo una llamada de emergencia, el Detective Kamen sufre un ataque y termina con un destornillador enterrado en la frente. El extraño incidente da paso al descubrimiento por parte del protagonista de que el destornillador no sólo abrió un hoyo en su frente sino que pudo dar paso a liberar su percepción sensorial.

Tras el descanso de rigor el detective empieza a atar cabos y se da cuenta que los extraños crímenes de Henry the VIII podrían estar relacionados con el antiguo arte de la trepanación y que el ataque que sufrió puede ser una bendición disfrazada que le permita acercarse a la mente del asesino y acabar con él. Sin embargo su extraño comportamiento lo convierte en uno de los principales sospechosos del caso que está investigando.

Christos N. Gage es un escritor que vino desde el mundo de la TV al de los cómics, habiéndo formado parte del staff de escritores de series como Law & Order: Special Victims Unit y Numb3rs. En el mundo de los cómics tiene una trayectoria más o menos dilatada, siendo la miniserie de Deadshot de 2005 el primer trabajo que le conocí (bastante buena, por lo demás).

Chris Samnee es un dibujante con una trayectoria respetable, aunque todavía le falta encargarse de alguna serie que haga que su nombre sea más reconocido. Dentro de esta misma línea de Novelas Gráficas había trabajado anteriormente junto a Ande Parks en Capote in Kansas (planeo leerla también) y su trabajo más reciente es Thor the Mighty Avenger junto a Roger Langridge (también tengo planeado comentarla), que fuera cancelada el mes pasado.

El apartado gráfico de esta novela gráfica es notable. Se trata de un trabajo en Blanco y Negro (vaya la advertencia para los que no estén acostumbrados al estilo), y es simplemente increíble la destreza de Samnee para sacarle partido al formato. Habiendo visto su trabajo en B&N y a color, creo que la tinta sin adornos es lo suyo, logra crear formas definidas sin completar el contorno del dibujo, tiene una asombrosa habilidad para el uso de la luz y la sombra y es absolutamente consistente en cuanto al aspecto de los personajes que pueblan la novela.

Area 10 son 180 páginas de misterio, tensión, acción y entretención, que se extienden lo suficiente como para ser una lectura sustancial sin llegar jamás a agotar al lector. No se trata de una obra que vaya a estar en ningún recuento de "lo mejor de", pero si llegan a comprarla es altamente improbable que se arrepientan. Se trata de un trabajo profesional, bien hecho y entretenido.

Esta Novela Gráfica fue publicada originalmente en Abril de 2010, simembargo aún pueden encontrarla en sitios como Amazon o The Book Depository.

Aprovecho de dejarles unas páginas de muestra que liberó DC originalmente a través del Blog de Vertigo: Graphic Content.


Deja tus comentarios o escríbenos directamente a comicverso@gmail.com

jueves, 17 de febrero de 2011

Reseña: Birds of Prey #09

Título: The Death of Oracle Part 3: "The Soul and the Sacrifice".

Escritor: Gail Simone.
Artista: Iñaki Miranda.
Colorista: Nei Ruffino.
Rotulista: Dave Sharpe.
Editores: Janelle Siegel (Jefe) y Katie Kubert (Asistente).

Portada: Stanley "Artgerm" Lau.
Fecha de Publicación: 9 de Febrero de 2011.

Historia: El plan de Oracle para lidiar con Calculator no está saliendo del todo bien. Black Cannary está incapacitada tras el ataque de Mortis y el resto de las Aves de Presa están bajo la custodia de los lacayos de Calculator. Es hora de que empiece la fase final de La Muerte de Oracle...

Comentarios: La historia me ha resultado bastante entretenida en general. Lo más curioso para mi es la forma en la que se está representando a Batman actualmente porque pareciera que el mandato de DC es "suavizar al personaje", no porque se trate de algún edicto impulsivo sino como consecuencia del trabajo que ha hecho Morrison con el personaje, el cual tuvo una experiencia cercana a la muerte que parece haberle provocado alguna epifanía con cierto efecto rehabilitador de habilidades sociales.

La verdadera razón de que me interesara en reseñar este número es que tengo un carácter bastante obsesivo y eso redunda en que me vuelva majadero con ciertos temas, en éste caso en particular, el trabajo artístico de la Revista.

Este #09 de Birds of Prey es dibujado por Iñaki Miranda, quien, si no fallaron mis habilidades con Google, se trata de un dibujante de origen español. Mi impresión es que se trata de un dibujante sin mucha experiencia en el medio norteamericano porque nunca antes había escuchado hablar de él. Por lo que pude averiguar, hizo un fill-in en el #99 de la serie Fables, pero dado que no sigo esa serie sólo puedo opinar por lo que he visto en esta revista y mi impresión no es favorable.

El trabajo de Miranda en este número es sumamente irregular. En realidad sus páginas me dieron la impresión de tratarse de una progresión hacia la entropía, porque mientras más avanzaba en la lectura de la revista, peor era la calidad de sus dibujos. La revista va perdiendo detalles, los fondos se simplifican hasta desaparecer y el trabajo del colorista empieza a adquirir un carácter suplementario del aquél del dibujante, en vez de ser sólo complementario. Si fuera Detective deduciría que a Miranda probablemente se le vinieron los plazos encima y terminó dibujando a mano alzada y entregando lo primero que logró sacar de su escritorio, porque sólo de esa manera logro entender lo malo que es el dibujo de esta revista.

Si Miranda dibuja de esta manera en forma regular, no tiene nada que hacer como dibujante de cómics, simplemente le faltan años de trabajo en el perfeccionamiento de la anatomía de los personajes, la perspectiva, la ubicación espacial, la elaboración de fondos, etc. Si Miranda dibuja regularmente de esta forma, la Editora de la serie debería pensarlo dos veces antes de contratarlo y buscar tal vez a algún otro dibujante competente con quien rellenar la serie antes de completar la historia o un entintador de mano pesada que pueda corregir el aspecto final de la revista.

Algo falló con esta revista y tal vez la mejor decisión que pudo adoptar DC era demorar su aparición y buscar la forma de completarla en correctamente, pero no lo hizo. La discusión sobre si hay que hacerse responsable y sacar el comic a tiempo o si los retrasos editoriales son aceptables es bizantina, pero creo que hay al menos un criterio que no puede ser aceptable: sacar la revista en su fecha a cualquier costo.

No me agradan los retrasos, no me agrada comprar una revista que va a salir en Marzo y recibirla en Septiembre, definitivamente no apoyo esa práctica, pero tampoco me gusta la idea de una revista completada por 5 dibujantes y 10 entintadores o hecha tan a la rápida que parece un trabajo amateur.

¿Qué le pido al editor?

Planificación. Si vas a tener a un dibujante que hace 4 revistas al año, entrégale los guiones un año y medio antes de la aparición del número 1 y busca a alguien que pueda dibujar los números que siguen a aquellos que va a alcanzar a completar. Si el o los dibujantes de tu serie están luchando de mala manera por cumplir los plazos, comisiona un guión unitario adicional y se lo encargas a alguien que pueda completarlo rápidamente, de manera que tu gente pueda respirar más tranquila, etc.

"Como sea", no es una manera seria de cumplir las obligaciones.

Aquí estoy haciendo una suposición, que Miranda dibujó mal por apuro y espero tener razón porque la alternativa es la desidia de la Editora, que considero más preocupante aún.

Además de lo que ya comenté, otras cosas que me hacen pensar en el apuro como el motivo del resultado final es que este número fue solicitado originalmente con dibujos de Ardian Syaf y Vicente Cifuentes (al igual que el #8, que en su lugar tuvo a Guillem March como dibujante, con resultados un poco mejores) y que el trabajo del colorista es tan malo como el del dibujante. Nei Ruffino viene trabajando en la serie desde el principio y es la primera vez que demuestra tan poco talento para su trabajo, así que si no fue el perro el que le echó a perder la tarea, no sufrió una lesión cerebral y no está físicamente inhabilitado para hacer su trabajo tal y como lo hizo desde Mayo de 2010, sólo me cabe concluir que tuvo que completar la revista tan rápido como pudo, una vez que recibió los scans del trabajo de Miranda.

Voy a ser patudo y voy a tomarme la libertad de darle un consejo a Iñaki Miranda si es que está leyendo esta reseña: Si alguna vez te encuentras en la circunstancia de que te pidan completar 20 páginas en un tiempo que sabes que no te va a permitir hacer un trabajo al menos aceptable... digamos que produces una página al día y te piden a hacer 2,5, diles que no. Tal vez la ansiedad o el entusiasmo fueron malos consejeros, pero esta revista va a quedar en tu currículum y probablemente afecte la percepción que tendrá la gente de lo que eres capaz de hacer.

Y supongo que eso vale en realidad para cualquier trabajo que hagan.

Bajo circunstancias normales esta revista se habría llevado un 8. Esa nota baja hasta un 3 por el pésimo trabajo artístico y finalmente hasta un 1 por el pésimo trabajo Editorial que permitó tanto el pésimo trabajo artístico, como las circunstancias que lo hicieron necesario.

Evaluación:


Deja tus comentarios o escríbenos directamente a comicverso@gmail.com

miércoles, 16 de febrero de 2011

Reseña de Cine: The Green Hornet

Por Alberto Calvo.

The Green Hornet, conocido en Latinoamérica como el Avispón Verde, es un héroe originado en un serial radiofónico creado en los 1930s que duró más de quince años al aire. Desde entonces el personaje se ha mantenido vigente gracias a una serie de televisión y a múltiples interpretaciones en otros medios, más notablemente en comics, sobre todo en fechas recientes.

Hace casi veinte años que Hollywood intentaba llevar al personaje a la pantalla grande, pero de manera infructuosa, habiendo tenido como presuntos protagonistas a George Clooney, Greg Kinnear, Mark Wahlberg y Jake Gyllenhaal, además de haber involucrado en uno u otro momento a directores como Michel Gondry, Kevin Smith y Stephen Chow además de incontables guionistas.

Finalmente, la versión que se estrenó hace algunas semanas fue dirigida por Michel Gondry (la primera vez hubiese sido su debut cinematográfico, ahora fue su cuarto largometraje) sobre un guión de Evan Goldberg y Seth Rogen, con éste último fungiendo además como productor ejecutivo y protagonista de la película, situación que probablemente sea la causa de los desastrosos resultados.

The Green Hornet (El Avispón Verde) cuenta la historia de Britt Reid (Rogen), el irresponsable hijo de James Reid (Tom Wilkinson), dueño y editor del Daily Sentinel, uno de los más prestigiados diarios de Los Angeles. Britt vive de fiesta en fiesta y los escándalos, para molestia de su padre, son cosa cotidiana. Cuando su padre fallece, todo mundo parece esperar que finalmente decida sentar cabeza y se haga responsable del diario, pero eso no va a suceder. En vez de ello Britt decide dejar el diario en manos del veterano editor que fue la mano derecha de su padre durante años (Edward James Olmos), y dedicarse a seguir con sus asuntos sin preocuparse por el resto del mundo.

Sin embargo, todo cambia cuando conoce a Kato (Jay Chou), el mecánico y asistente personal de su padre. Convencidos de que tienen mucho en común, se emborrachan platicando sobre todo lo que les molestaba del viejo Reid y deciden tomar una pequeña venganza póstuma desecrando el monumento recién erigido a su padre. En el proceso de cometer su fechoría, Britt y Kato evitan que una pandilla asalte a una pareja, solo para ser perseguidos por la policía.

Britt convence entonces a Kato de dedicarse a combatir el crimen mientras se hacen pasar por criminales, naciendo así el Avispón Verde. Britt decide también tomar las riendas del Sentinel, aunque sea solo para ensalzar la imagen del Avispón como un peligroso y ambicioso criminal, lo cual no cae muy bien con Chudnofsky (Christopher Waltz), el líder del bajo mundo angelino.

Lo que sigue es hora y media de una película que no decide lo que quiere ser, pues no satisface ni como comedia ni como película de acción. Creo que el principal problema es Rogen, quien parece convencido de que es talentoso, carismático y divertido, pese a que su filmografía es evidencia de todo lo contrario. Su personaje no genera ni simpatía ni empatía y, de hecho, parece ensalzar la xenofobia y misoginia como cualidades divertidas. Habla sin parar y no tiene una sola línea de diálogo que sirva para avanzar o enriquecer la historia.

El talento de los veteranos actores que lo acompañan y el carisma de Chou no bastan para compensar por la avaricia de Rogen, quien decide convertirse en el centro de cada maldita escena, lo cual es una verdadera lástima, pues había potencial para hacer que la película funcionara. La dirección de Gondry no es mala, pero lo irregular del guión afecta al resultado final. No existe desarrollo de personajes entre las secuencias de acción, y dado que la buddy comedy que pretendían crear entre Britt y Kato no funciona la película tiene más altibajos que una montaña rusa.

Tal vez se pregunten por qué no he mencionado a Cameron Diaz, quien interpreta a Lenore Case, la secretaria de Britt. Y no es que la haya olvidado, pero dado que no supieron que hacer con el personaje yo no encuentro nada que decir sobre ella, pues pareciera ser que la agregaron al elenco solo cuando se dieron cuenta de que no había personajes femeninos y el único uso que le hallaron fue convertirla en un vehículo para mostrar que tan cretino y misógino es el personaje de Britt.

Si les gusta el humor que maneja Seth Rogen en otras de sus películas, puede que no encuentren tan decepcionante The Green Hornet. De otro modo me temo que pasaran un rato lamentando las dos horas de su vida que desperdiciaron en ella, y más aún si decidieron pagar extra para verla en 3D. Yo no lo hice, y aún así me siento estafado. Lo peor de todo es que ni siquiera creo que sea una mala película, pero peor aún, la encuentro totalmente inconsecuente e imperdonablemente olvidable.

Deja tus comentarios o escríbenos directamente a comicverso@gmail.com

martes, 15 de febrero de 2011

Flashpoint se viene con todo

Más allá de la calidad intrínseca de esta serie que se verá cuando aparezca publicada, lo primero que llama la atención es el fuerte trabajo de publicidad que está haciendo DC Comics para la que espera que sea su próxima gran megasaga tras los excelentes resultados que tuvo Blackest Night.

Para el que no sepa de qué viene el asunto. Flashpoint se viene anunciando desde el lanzamiento de la nueva serie de Flash en 2010, a continuación publico las páginas promocionales que aparecieron junto al #01 de Flash:


La miniserie central constará con 5 números escritos por Geoff Johns e ilustrados por Andy Kubert de 40 páginas a US $3.99 c/u y adicionalmente se publicarán 15 miniseries tie-in, de tres números cada una y una serie de especiales unitarios, todos ellos a US $2.99 c/u. El Listado se descompone más o menos así:

Whatever Happened to Gotham City?

FLASHPOINT: BATMAN KNIGHT OF VENGEANCE #1-#3
FLASHPOINT: DEADMAN AND THE FLYING GRAYSONS #1-#3

Whatever Happened to the World’s Greatest Super Villains?

FLASHPOINT: CITIZEN COLD #1-#3
FLASHPOINT: DEATHSTROKE & THE CURSE OF THE RAVAGER #1-#3
FLASHPOINT: THE OUTSIDER #1-#3

Whatever Happened to the Aliens?

FLASHPOINT: ABIN SUR THE GREEN LANTERN #1-#3
FLASHPOINT: PROJECT: SUPERMAN #1-#3

Whatever Happened to Science & Magic?

FLASHPOINT: FRANKENSTEIN & THE CREATURES OF THE UNKNOWN #1-#3
FLASHPOINT: SECRET SEVEN #1-#3

Whatever Happened to Europe?

FLASHPOINT: EMPEROR AQUAMAN #1-#3
FLASHPOINT: WONDER WOMAN AND THE FURIES #1-#3
FLASHPOINT: LOIS LANE AND THE RESISTANCE #1-#3

Everything You Know Will Change in a Flash

FLASHPOINT: KID FLASH LOST #1-#3
FLASHPOINT: THE WORLD OF FLASHPOINT #1-#3

La idea tras la serie es que por algún evento desconocido, en el probablemente esté involucrado Flash-Reverso (Eobard Thawne, Alias: Professor Zoom), se ha producido una enorme alteración en el contínuo espacio-tiempo (se han dado algunas pistas al respecto a raíz de los cambios introducidos en el origen de Barry Allen en Flash: Rebirth), modificando radicalmente la realidad. Sólo Flash (Barry Allen), estará consciente de las alteraciones producidas y tendrá que gestar nuevas alianzas con las versiones alternativas de sus amigos de la JLA, a fin de descubrir el origen de las alteraciones y solucionarlas.

El #09 de Flash, que salió a la venta el pasado Miércoles 9 de febrero marca el inicio del evento con la publicación de una historia introductoria: "The Road to Flashpoint", de la cual pueden leer sus primeras páginas acá. también se anunció el retorno (el segundo retorno, en realidad), de Dan Jurgens a la serie de Booster Gold, donde escribirá una arco relacionado con Flashpoint, del mismo modo en que su miniserie de los Time Masters se vinculó algo tangencialmente con "The Return of Bruce Wayne" (no deja de ser curioso que siendo un preludio aparezca conjuntamente con la historia principal). 

DC no ha anunciado cuál será el nombre de la miniserie #15 de los tie-ins con Flashpoint y aunque parte de las promociones digan "Esto no es una Tierra Paralela, éste no es un mundo alternativo, es nuestro hogar", cuesta creer que una vez que terminen las miniseries respectivas queden repercusiones importantes en el DCU que se relacionen directamente con los eventos de la serie. Es decir no creo que el asunto pase más allá de un Elseworlds extendido y mejor explorado (tal vez).

De paso y en algo que no puedo confirmar, pero me parece una novedad, DC ya ha sacado las promociones de las Figuras de Acción inspiradas en la saga en cuestión:


Ayer se publicaron las solicitudes de la compañía para el mes de Mayo, en el cual debutará Flashpoint. Viendo el vaso medio vacío, me llamaron la atención las siguientes cancelaciones:
  • Batman & the Outsiders #40 - Último Número.
  • Doom Patrol #22 - Último Número.
  • Freedom Fighters #09 - Último Número.
  • R.E.B.E.L.S. #28 - Último Número.
  • JSA All-Stars #18 - Último Número.
Lo que se suma a las desapariciones de Azrael, Batman Confidential y Batman: Streets of Gotham, ocurridas en Marzo y la muerte natural de Brightest Day y Generation Lost, que eran series limitadas (aunque originalmente debían extenderse por 26 números, en lugar de los 24 que duraron en definitiva) y terminaron en Abril.

Si bien sitios como Bleeding Cool especularon que DC le está haciendo espacio a las miniseries de Flashpoint. Mi impresión es que dado que las miniseries son de corto aliento y que para esta clase de coyunturas los fans tienden a gastar más dinero antes que redistribuir los gastos, lo que en realidad está ocurriendo es una consecuencia natural de la drástica reducción de costos que ha puesto en práctica la compañía, ayudado por las pésimas cifras de ventas del último mes.

¿Ustedes qué opinan?
¿Qué tan interesados están en Flashpoint y sus miniseries?


Deja tus comentarios o escríbenos directamente a comicverso@gmail.com

lunes, 14 de febrero de 2011

First Class y el Regreso de Luthor

Comentaba el otro día los trailers de películas de cómics estrenados para el Super Bowl XLV. Un trailer que no estuvo incluído en el listado es el de la precuela de los X-Men, la película "X-Men: First Class".

Producida por Brian Singer, la dirección recae en Matthew Vaughn (Kick Ass, Layer Cake), sobre un guión en el que han trabajado numerosas manos, entre ellos Josh Schwartz (The O.C., Chuck, Gossip Girl) y la actuación de James McAvoy (Charles Xavier), Michael Fassbender (Magneto), Rose Byrne (Moira MacTaggert), Jannuary Jones (Emma Frost) y Kevin Bacon (Sebastian Shaw), entre otros.


Para mi gusto se ve algo anacrónica la estética de la película y no sé si ubicarla en un periodo histórico cierto sea la mejor idea. Siempre me ha parecido que los superhéroes funcionan mejor como analogías que cuando se les introduce dentro de la Historia con mayúscula... esperar y ver.

-------------

Por otro lado se ha confirmado que Michael Rosenbaum participará en el cierre de Smallville. Tras 10 temporadas llega a su fin la serie de CW y el actor que se hiciera famoso interpretando a Lex Luthor repetirá su rol en el final de la serie.

La útima aparición de Rosenbaum fue al término de la Séptima Temporada, episodio transmitido en 2008.


Deja tus comentarios o escríbenos directamente a comicverso@gmail.com

viernes, 11 de febrero de 2011

EeC: Respeto para Gail Simone



Escribo esta columna 100% seguro de que si su protagonista llegase a leerla, no estaría de acuerdo conmigo.

Gail Simone es una de las pocas escritoras que hay en la industria de cómics y con bastante esfuerzo se ha hecho de una buena reputacion y un lugar destacado en el organigrama creativo de DC Comics. Su trabajo suele ser de mi agrado, aunque no podría decir que sigo religiosamente lo que produce.

Meses atrás comenté en este mismo Blog el relanzamiento de Birds of Prey, una serie que no fue creada por Gail Simone, pero que está estrechamente asociada con su nombre al haber sido la responsable de desarrollar las historias de Oracle, Black Cannary y compañía por alrededor de cinco años. El relanzamiento de la serie coincidió con la llegada de J. Michael Straczynski a Wonder Woman y el inicio de Brightest Day, por lo que saqué algunas conclusiones:

  • JMS asumiendo el mando de Superman y Wonder Woman fue uno de los grandes anuncios que hizo DC Comics en 2010. Fue un asunto importante y prueba de ello es que probablemente hayan sabido del cambio de traje de Wonder Woman por más medios que los que tradicionalmente cubren ese tipo de noticias. DC hizo una apuesta importante que reforzó con una gran movida publicitaria, creyendo que la llegada de JMS daría como resultado un alza significativa en las ventas de Wonder Woman... todo esto tuvo como damnificada a Gail Simone. Simone había llegado a la serie en el #13, tras el desastrozo relanzamiento que se hizo a manos de Allan Heinberg (que fue desastrozo por problemas de coordinación más que creativos), y si bien a nivel de ventas los resultados no podrían calificarse como un éxito, creativamente la serie se había estabilizado y funcionaba bastante bien. Lamentablemente esto no le bastó a la compañía y a pesar de que Simone había apagado el incendio en el que se convirtió el relanzamiento de 2006, la sacaron de la revista sin demasiada ceremonia.
  • En 2007 Simone había dejado Birds of Prey debido a que "Simplemente me ofrecieron un proyecto que no pude rechazar. La revista de mis sueños con un equipo artístico de ensueño, y una oportunidad real de rehacer la historia de los cómics". A pesar de que la entrevista de la cual extraje la cita no lo dice expresamente, el proyecto (concluyo por descarte), era Wonder Woman y el equipo artístico eran Terry y Rachel Dodson, a quienes siguieron gente como Aaron Lopresti y Nicola Scott. Birds of Prey quedó en manos de Sean McKeever y tras algunos meses fue cancelada.

A mi juicio la salida de Simone de Wonder Woman fue compensada con la oportunidad de revivir una serie que era muy querida para la escritora: Birds of Prey, misma que dejó para hacerse cargo de Wonder Woman, pero este relanzamiento fue apurado a fin de poder hacerlo bajo el slogan de "Brightest Day". ¿Por qué digo que fue un lanzamiento apurado? Ed Benes resultó ser el encargado de la faz gráfica de la revista y aunque este mismo artista haya dibujado sin problemas la JLA de Brad Meltzer por al menos 12 números, no fue capaz de pasar del segundo número de BoP sin necesitar la asistencia de Adriana Melo para completar revista. Esto me hace sospechar que no se le dió el tiempo suficiente de avanzar con su trabajo antes de solicitar la serie y comprometer su aparición para una fecha determinada. De hecho entre los números 1 y 11 de BoP han pasado y pasarán varios artistas por la serie: Ed Benes, Adriana Melo, Alvin Lee, Ardian Syaf con Vicente Cifuentes, Guillem March, Iñaki Miranda y Pere Pérez. Todo esto sin entrar a detallar el aún más largo listado de entintadores que ha tenido la revista.

Si bien en septiembre DC Comics anunciaba que Ardian Syaf sería el nuevo dibujante regular de la revista y alcanzaron a aparecer solicitados los meses de Enero y Febrero de 2011 con Syaf en los créditos del apartado gráfico de la colección, lo cierto es que finalmente sólo dibujó el número siete de la revista, el comienzo de la historia "The Death of Oracle" (historia a la que Simone hace alusión en la entrevista de 2007 que cité más arriba) y luego fue reemplazado por Guillem March e Iñaki Miranda en los números subsecuentes.

Hasta este punto ya he articulado parte del problema: Se hizo a un lado a Simone en beneficio de un proyecto asociado a un escritor de mayor renombre (lo cual en realidad no sorprende a nadie), y se la compensó devolviéndole un trabajo que se vio forzada a dejar de lado alguna vez.

El resto del problema y que constituye para mi la gota que deja el vaso a punto de rebalsarse es el débil apoyo que ha recibido el relanzamiento de Birds of Prey.

¿Recuerdan mi artículo sobre el especial de Steel de hace algunos días?

Pues no sólo le dieron a BoP un calendario de entrega estrecho que ha redundado en una baja calidad gráfica de los primeros seis números de la colección, donde el artista estrella tuvo que recurrir a varios otros artistas para completar el trabajo. Sino que vino un evento de Superman armado sobre la hora ("Reign of Doomsday"), y se decidió sacar Benes de la serie para que se haga cargo de dibujar rápidamente el especial en cuestión. Luego se anuncia a Ardian Syaf, un dibujante emergente de origen Indonesio, como su reemplazo y alcanza a durar un número antes de ser sustituido por una suscesión de fill-ins. Es decir, Birds of Prey, una serie que regularmente va a tener problemas atrayendo un número significativo de lectores, recibe toda la ayuda posible para que una buena parte de los que lleguen decidan irse rápidamente debido a la pobreza del apartado gráfico de la revista, situación que sólo es agravada por el manejo que hace la compañía de la situación.

Hace algunas semanas se anunció finalmente que Jesús Saiz se haría cargo de dibujar la serie a partir del #12. Es de esperar que la caótica sucesión de anuncios y reemplazos, no llegue a herir las ventas de la serie al punto que la llegada de este excelente dibujante español (Manhunter, Checkmate), no sea suficiente como para revertir la disconformidad que se pueda haber generado entre los lectores de la revista por la inconsistencia artística de la que ha padecido.

El problema en definitiva, desde mi punto de vista, es que Birds of Prey no ha recibido una justa oportunidad de éxito, siendo víctima de una importante (aunque probablemente involuntaria), cuota de autosabotaje. No deja de ser estúpido que en el marco de una constante contracción en el volumen de ventas del mercado de cómics en general, una empresa se de el lujo de lanzar una serie y hacer todo lo posible porque no logre mantenerse a flote. Peor aún... que una escritora que ha demostrado ser un buen soldado, alguien de quien la compañía puede depender, reciba un premio de consuelo que a ratos parece agregar insulto, maltrato y algún grado de humillación a la herida.


Deja tus comentarios o escríbenos directamente a comicverso@gmail.com