viernes, 28 de octubre de 2011

Reseña: The Incredible Hulk #1

por Esteban Pedreros

Guión: Jason Aaron.
Dibujos: Marc Silvestri.
Ayudante de Dibujo: Michael Broussard.
Tintas: Joe Weems, Rick Basaldua y Sal Regla.

Color: Sunny Gho.
Rótulos: Ed Dukeshire.

Editores: Jake Thomas (Asistente) y Mark Paniccia.
Editorial: Marvel Comics.

Portadas: Marc Silvestri, Joe Weems y Sunny Gho; Neal Adams y Justin Ponsor; Dale Keown; Ladrönn; Whilce Portaccio.

Fecha de Publicación: 26 de Octubre de 2011.

0 de 2 con Jason Aaron ésta semana.

Hulk es un monstruo, así que luego de deshacerse de Banner busca refugio de la humanidad y se adentra en la tierra hasta encontrar una ciudad perdida de Moloids donde se transforma en su protector y proveedor y los Moloids lo adoran por eso.

La vida es buena: matar calamares gigantes por la mañana, asarlos por la tarde y vivir en permanente aislacionismo dentro de una comunidad que te valora y respeta, pero de la cual no quieres verdaderamente participar. Por supuesto que Hulk ha aprendido del pasado y sabe que la paz no puede durar, por lo que vive mirando sobre su hombro esperando que llegue un ataque imprevisto de alguno de sus numerosos enemigos.

Pasa el tiempo y cuando Hulk empieza a bajar la guardia llega una expedición de soldados con superarmaduras que destrozan la ciudad de los Moloids y atacan a Hulk con armas sónicas. Hulk por supuesto no tiene muchos problemas en repeler el ataque hasta que descubre que es todo un malentendido porque estos soldados que llegaron derrumbando el lugar y disparando a mansalva no le desean mal sino que necesitan su ayuda...

¿Para qué?

Pues para que se haga cargo de Bruce Banner que vive en una isla creando creaturas modificadas genéticamente a la Dr. Moreau.

Espero haber expresado claramente lo idiota que me pareció que era la historia.

El dibujo de Marc Silvestri no me gusta, hay gente a la que le encanta, no sé por qué, también hay gente que adora el bistec de panita y yo no me lo puedo comer. Si les gusta el dibujo de Silvestri, probablemente esa será la mejor razón para seguir esta revista, por más que utilice ayudante y 3 entintadores y haga más rayas de las necesarias. Si les gusta Silvestri estarán de fiesta porque me parece claro que esta revista está orientada a darle al tipo lo que sea que pida, está pensada para que Hulk pelee con monstruos y criaturas extrañas en parajes exóticos sin mucho ton ni son, así que si eso es lo que quieren, hagan un asado y repártanle la revista a sus amigos.

Incredible Hulk asoma como una lectura liviana, enfocada en el lucimiento del dibujante y sin mucho contenido que aportar, tal vez en un par de meses la lea para ver si efectivamente es todo lo que promete o si tiene alguna cualidad redimible, por lo pronto: NO RECOMENDADA.

Calificación:

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jueves, 27 de octubre de 2011

Reseña: Wolverine & The X-Men #1

por Esteban Pedreros

Guión: Jason Aaron.
Dibujos: Chris Bachalo.
Tintas: Tim Townsend, Jaime Mendoza y Al Vey

Color: Chris Bachalo.
Rótulos: Rob Steen.

Editores: Jordan D. White (Asistente) y Nick Lowe.
Editorial: Marvel Comics.

Portada: Chris Bachalo.

Fecha de Publicación: 26 de Octubre de 2011.

¿Qué puedo decir de Wolverine and the X-Men?
No me gustó.... tratemos de verbalizarlo.

No he tenido la ocasión de comentar Schism más que en los Podcasts del Blog y no me gustó la historia, sentí que para tanto marketing y faramalla que se hizo para promover esa historia y anticipar la idea de que los X-Men se dividieran en dos facciones, el desarrollo de la misma no justificaba ni por asomo los resultados que ya se sabía que tendría... me decepcionó.

Bueno, si Schism era la historia que "tenía" que pasar, me hice la idea de que al menos las nuevas series podrían ser interesantes y me encuentro con esta revista que para mi no tiene ni pies ni cabeza.

Tras los eventos de Schism, Wolverine ha reconstruido la mansión de Westchester del Profesor Xavier y la ha bautizado como "The Jean Grey School for Higher Learning". Por supuesto que el emprendimiento no es sencillo y ha recibido el apoyo de Kitty Pryde (como co-Directora), Beast (como vice-rector y jefe de construcción), Gambit (que no aparece en éste número), Rachel Grey, Rogue y Iceman.

El primer día de clases es de muchísimo nervio, pues reciben la visita de los inspectores del Departamento de Educación del Estado de Nueva York y por supuesto que todo tiene pinta de desastre cuando los inspectores entran en contacto con la peculiar idiosincracia de los X-Men.

El dibujo de Chris Bachalo es a lo que nos tiene acostumbrados, a pesar del número de entintadores el arte es consistente a lo largo de la revista, sin embargo el resultado final es bastante "lavado", debido a que es más preponderante el trabajo de color (también a cargo de Bachalo), que las líneas que suelen poblar su trabajo. Hay muchísimo color (en exceso para mi gusto), pero me parece que debiera resultar agradable para la mayoría.

Probablemente sea culpa mía y no de la revista la sensación de confusión con que me deja. Si leen éste número sin antecedentes previos, es simplemente una comedia (bastante extraña), donde uno tiene tiempo de conocer la Escuela, sus profesores y estudiantes y se los pone en una situación absurdamente caótica. Yo sigo esperando que haya una instancia de debate más profundo donde se ahonde en las razones del Cisma de los X-Men, más allá de lo que ya se ha visto, porque no me convence... Cyclops y Wolverine ven las cosas distintas, pero con matices, no están en las antípodas del espectro, entonces cómo me voy a convencer que hay un verdadero Cisma... bueno, supongo que de todas maneras el Cisma acabará eventualmente, aunque uno quisiera que Wolverine y Cyclops vieran las cosas como las veían Xavier y Magneto.

Para el que no le pida peras al olmo, es muy probable que la revista le entretenga. Para el que siga disconforme con Schism, es probable que esto no ayude mucho, de cualquier modo un número de comedia de enredos está bastante lejos de lo que uno espera de un cómic llamado Wolverine & The X-Men

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miércoles, 26 de octubre de 2011

Reseña: Fear Itself - The Fearless #1

Por Alberto Calvo

Chapter One: Battle Lines!

Historia: Cullen Bunn, Matt Fraction y Chris Yost
Guión: Cullen Bunn

Lápices: Paul Pelletier y Mark Bagley
Tintas: Danny Miki y Andy Lanning

Color: Matthew Wilson
Rótulos: VC's Cory Petit

Portada: Arthur Adams y Laura Martin
Portadas variantes: Frank Cho y Jason Keith; Mike Deodato y Rain Beredo; Salvador Larroca y Frank D'Armata; Ryan Stegman y Marte Gracia

Editor: Alejandro Arbona
Editor asistente: John Denning

Fecha de publicación: 19 de octubre de 2011

Una vez concluido Fear Itself, es hora de lidiar con las repercusiones de esa historia. Además de las pérdidas humanas, tanto entre los héroes como en la población civil, e iniciar los esfuerzos de reconstrucción, los Avengers enfrentan un par de serios problemas. El primero, localizar y aprehender a Sin, quien escapó durante la confusión siguiente a la batalla final a las puertas de Asgard, y el segundo, buscar el modo de asegurarse de que los martillos de los Worthies, aparentemente inactivos e inofensivos por el momento, no caigan en las manos equivocadas.

Steve Rogers, el Capitán América, ha decidido que lo mejor es esconder los martillos en diferentes locaciones, debidamente aseguradas, alrededor del mundo. No todos están de acuerdo, como Brunilda, la Avenger conocida como Valkyrie, quien ha experimentado antes lo peligrosa que puede ser la presencia de artefactos asgardianos en la Tierra, y quien considera que los martillos debieran ser entregados a los asgardianos para lidiar con su destino final.

Valkyrie decide seguir sus instintos e iniciar por su cuenta la búsqueda de los martillos, aún si eso la enfrenta al resto de los Avengers. Al mismo tiempo, Sin pone en marcha su propia búsqueda de las armas perdidas.

Lo Bueno: Supongo que la participación de Matt Fraction aquí sirve más que otra cosa para asegurarse de que la historia sirva orgánicamente como un derivado continuación de Fear Itself, y funciona. Cullen Bunn parece estar a punto de convertirse en una de las nuevas estrellas en el staff de escritores de Marvel, pues esta serie ayudará a que su nombre empiece a ser recordado por aquellos que no conozcan su trabajo en The Sixth Gun.

El arte me gustó, pero me dejó con sentimientos encontrados. Hace mucho que disfruto el trabajo de Paul Pelletier, al menos desde que dibujaba el material adicional de el Pantheon en Hulk durante el ciclo de Peter David en esa serie, y más todavía desde que se involucró en las sagas cósmicas de Marvel con los Guardians of the Galaxy. Por otro lado, nunca he sido fan de Mark Bagley. Afortunadamente las protagonistas principales de esta serie son personajes femeninos, con quienes no encuentro tan molesto el estilo de Bagley.

Lo Malo: La aparente contención de Fear Itself me genera sentimientos encontrados. Por un lado agradezco que se pueda seguir la historia sin necesidad de leer los tie-ins en las series regulares, pues la mini-serie y los especiales y mini-series asociadas contienen toda la historia. Por otra parte, creo que esta sobresaturación del mercado con títulos, aún si son temporales, no es saludable para la industria, además de que el no ver efectos de esta historia en las series regulares pareciera minimizar su importancia dentro de la continuidad de Marvel.

Lo Feo: Disención entre los héroes. Nunca es buena, pero suele ayudar a producir buenas historias.

El Veredicto: The Fearless es una bien llevada secuela a Fear Itself que debiera ser de interés para los aficionados a ese evento. Ojalá y Battle Scars y el resto de spinoffs tengan este mismo nivel de calidad.

Lectura bastante recomendada, siempre y cuando hayan leído Fear Itself, pues de otro modo no tiene sentido alguno..

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jueves, 20 de octubre de 2011

Reseña: Fear Itself #7

Por Alberto Calvo.

Fear Itself #7 - Steve McNiven
Thor's Day

Historia: Matt Fraction
Arte: Stuart Immonen

Tintas: Wade von Grawbadger con Dexter Vines
Color: Laura Martin con Justin Ponsor y Matt Milla
Rótulos: Chris Eliopoulos

Portada: Steve McNiven

Epílogos: Cullen Bunn, Mark Bagley, Jason Aaron, Mike Choi, Chris Yost, Scott Eaton, Matt Fraction, Terry Dodson, y otros.

Editor: Tom Brevoort
Editora asistente: Lauren Sankovitch

Fecha de publicación: 19 de octubre de 2011

Finalmente llega la conclusión del macro-evento Marvel del verano, y lo hace de una manera espectacular y grandilocuente con un número extra largo.

Las fuerzas de la Serpiente se concentran frente a Asgard para un último asalto, en tanto que los maltrechos héroes preparan su última parada. El Capitán América está dispuesto a caer como el último resquicio de la resistencia cuando Tony Stark regresa de Asgard con las armas para permitir a los Avengers enfrentar a los avatares de la serpiente, destando las dos grandes batallas que marcarán el destino del Universo Marvel: Thor vs. la Serpiente, y el Capitán América y los Mighty Avengers contra Sin y los Worthies.

Lo Bueno: Tal y como ocurrió a lo largo de toda la serie, Matt Fraction se concentró en escribir personajes y dejar que la historia fuese fluyendo alrededor de ellos. Ya sabíamos que había una profecía sobre la batalla final, así que ahí no había sorpresa alguna que esperar. La única escena que puede pasar por sorpresa es una con el Capitán América que debe haber emocionado a cualquier fan de Marvel.

El arte de Stuart Immonen está como siempre, a la altura de las circunstancias, convirtiéndose en el artista ideal para ilustrar esta historia épica de afirmación, demostrando porque los Avengers son los Héroes Más Poderosos de la Tierra.

Lo Malo: Hay momentos en los que el número se siente un tanto apresurado, lo que puede molestar a algunos. Personalmente creo que sigue la progresión natural del ritmo que tuvo la serie, el cual fue in crescendo con cada número subsecuente y tenía que terminar de manera explosiva, tal como sucedió.

Lo Feo: Lo devaluada que estás la muerte en los comics. Los héroes caídos sirven a la historia, pero creo que el impacto hubiese sido mayor si no hubiésemos visto "morir" a tantos héroes en los últimos años.

El Veredicto: Fear Itself resultó una entretenida historia de los Avengers. No estoy seguro si ameritaba el tratamiento de macro-evento, pues su impacto en el Universo Marvel ajeno a los Avengers fue prácticamente nulo. Personalmente recomendaría leer la miniserie completa de corrido, pues me consta que así se aprecia mejor la historia, además de echarle un vistazo a las múltiples miniseries y especiales que se publicaron como tie-ins para la historia.

Lectura bastante recomendada.

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martes, 18 de octubre de 2011

Reseña: Orchid #1

Orchid #1 - Shepard Fairey
Por Alberto Calvo

Historia: Tom Morello
Arte: Scott Hepburn

Color: Dan Jackson
Rótulos: Nate Piekos, de Blambot

Portada: Massimo Carnevale
Portada variante: Shepard Fairey

Editores: Sierra Hahn y Dave Land
Editores asistentes: Jim Gibbons y Patrick Thorpe

Fecha de publicación: 12 de octubre de 2011

No es inusual que celebridades de otros medios decidan hacer incursión en el mundo del comic, como tampoco es inusual que lo hagan con cierto éxito, sobre todo considerando que en relación a otros aspectos de la industria del entretenimiento los comics representan un mercado más bien pequeño.

Tal vez el caso más famoso en años recientes sea el de Gerard Way, líder del grupo musical My Chemical Romance, quien logró gran éxito con el lanzamiento de The Umbrella Academy, no solo atrayendo a su base de fans, si no también ganando el reconocimiento de nuevos lectores, ganando varios premios con la popular serie ilustrada por Gabriel Bá. Ese comic fue publicado, al igual que Orchid, por Dark Horse ComicsOrchid es un comic creado y escrito por Tom Morello, ex-guitarrista de Rage Against the Machine y Audioslave, quien ahora busca una carrera como solista bajo la identidad de The Nightwatchman.

La premisa detrás de Orchid no es precisamente original. Un mundo post-apocalíptico donde extrañas criaturas viven de los desvalidos, y donde unos cuantos abusan de su poder para controlar al resto del mundo. La miseria y la esclavitud son la única alternativa a la muerte para muchos, y aún cuando existen grupos que aún buscan rebelarse contra los poderes establecidos, la esperanza es poca.

Sin embargo, un grupo de estos rebeldes ha conseguido hacerse con una antigua reliquia, una máscara que confiere poder a quien la porta y la cual podría ser la última esperanza de obtener un mundo más justo. Cuando estos atrevidos rebeldes son capturados, solo Simon consigue escapar con la máscara en su poder, buscando refugio en una aldea cercana, donde conoce a Orchid, una aguerrida prostituta, y a su joven hermano, justo a tiempo para juntos caer en manos de un grupo de tratantes de esclavos.

Lo Bueno: No conocía a Scott Hepburn, y debo reconocer que me sorprendió gratamente. Su estilo se mueve cómodamente entre realista y caricaturesco, entre limpio y sucio, pero manteniendo siempre un delicado balance. Detallado cuando necesita serlo, Hepburn nunca satura la página, manteniendo un aspecto claro y limpio, además de contar con una narrativa muy dinámica, que hace bastante agradable la lectura del comic.

No estoy seguro de hacia donde vaya Morello con la historia, pero este número es demasiado poco como para emitir un juicio sobre su capacidad. Por lo pronto, me tiene intrigado, y si he de decir algo a su favor, creo que sería que el número me dejó la sensación de estar leyendo un serial en la 2000 A.D., lo cual no puede ser del todo malo.

Lo Malo: Creo que la planeación les falló un poco, pues el cierre del primer mes del relanzamiento de DC Comics no era el mejor momento para generar atención dentro o fuera de la industria, ni siquiera con esa atractiva portada del aclamado diseñador e ilustrador Shepard Fairey.

Lo Feo: Prostitución y esclavitud. No importa que tan civilizado pueda ser el mundo en que vivimos, estos problemas parecen estar siempre a la vuelta de la esquina.

El Veredicto: Orchid #1 resultó una entretenida lectura pese a lo poco innovador de su premisa. El arte de Scott Hepburn es lo bastante agradable como para por si mismo invitar al lector a dar una oportunidad a la historia, y eso es justo lo que pienso hacer. Recomendado con algunas reservas.

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lunes, 17 de octubre de 2011

CC: Red Mass for Mars

por Esteban Pedreros


Red Mass for Mars es una miniserie escrita por Jonathan Hickman e ilustrado por Ryan Bodenheim, publicada por Image Comics el año 2008, al menos la primera parte se ofreció para Junio de 2008, aunque al parecer la serie terminó de publicarse recién en Julio de 2010... buena cosa que me la haya conseguido en TPB, entonces.

Red Mass for Mars es una historia de Ciencia Ficción ambientada algo más de un siglo en el futuro, que cuenta a través de Flashbacks y del relato de varios personajes, la historia de Mars, una suerte de versión alternativa de Superman, cuya llegada al planeta se produjo en medio de la Edad Media y por lo tanto cuenta con una estructura moral bastante distinta de la de este mundo del futuro.

El escenario en el que se desarrolla la historia es que tras varias tragedias y muertes masivas que casi acabaron con la vida en la Tierra, el mundo dio un giro hacia el progreso y la sociedad del futuro es una sociedad prácticamente utópica, donde muchos de los males actuales han sido erradicados y un puñado de héroes superpoderosos mantienen en status quo. Dentro de este contexto conocemos a Macus Farber Astorga, The Benefactor, el hombre más rico del mundo, quien ha dedicado su fortuna al progreso de la raza humana y junto a u amigo, el Doctor Thaddeus White, descubre que está en curso una invasión alienígena obra de una raza destructiva llamada Hun-Du, cuyo enorme poder significará, casi sin lugar a dudas, el fin de toda la Humanidad.

Es un tanto problemático resumir bien la trama porque hay al menos tres historias relevantes que se entrelazan: a) la inminente invasión de los Hun-Du, b) La del origen y poderes de The Benefactor, c) y finalmente el origen de Mars, que viene a ser la más relevante.

Si bien la historia tiene un carácter épico, la verdad es que viene a ser un viaje por la sicología de Mars, desde su educación como guerrero en la Edad Media, donde lucha en beneficio de un Rey o Señor Feudal indeterminado, hasta que se cansa de la guerra y decide auto-designarse Rey, con nefastos resultados. Hasta su regreso a la actividad pública a fines del siglo XXI, donde logra guiar a la comunidad heróica en la construcción de una sociedad casi-perfecta, momento en el que sus sentimientos lo traicionan.

¿Qué pasa?

Pues que se enamora y su mujer se embaraza, pero tal como anuncian los más pesimista respecto a la paternidad de Superman con una terrícola como Lois Lane, el niño es demasiado poderoso como para que la frágil fisiología humana lo contenga y termina dando muerte a su madre al nacer, este niño, este semi-dios, es Phobos, hijo de Mars y terminará gatillando el sacrificio final del héroe.

Habiendo leído varios proyectos de Hickman, este es el que menos me ha gustado... tiene varios momentos buenos e ideas interesantes, pero a la vez se siente como una historia bastante dispersa, que no transmite del todo bien los planteamientos del escritor. La idea central es la de éste Superman alternativo que crece en una sociedad más violenta y aprende un código moral basado en el poder del más fuerte, pero que cuando intenta actuar en forma decisiva en base a estas ideas, resulta rechazado por la sociedad, así que los rechaza de vuelta y desaparece, previo berrinche propio de éste desdén. En el siglo XXI, todo va de maravilla mientras sus congéneres (el resto de los superhéroes), lo siguen y su novia lo quiere, pero cuando ocurre la tragedia del nacimiento de su hijo se descontrola, mata a un par de personas demás como parte de otro berrinche y la sociedad que lo admiraba se horroriza y lo rechaza, así que él los rechaza de vuelta.

Toda esta construcción (que no es lineal), tiene como propósito darle un poco de suspenso a su eventual intervención en pos de la salvación de la Tierra. El gatillante de su accionar es la muerte (via asimilación a lo Borg), de su hijo Phobos, lo que lamentablemente resulta un tanto predecible y si bien Mars es más duro, peligroso en indolente que Superman, sus decisiones terminan siendo las de un mártir.

Existe un subtexto en la historia sobre la concepción de una sociedad perfecta que evoluciona a lo largo de la historia del que no me percaté, pero que Hickman menciona en ésta entrevista de 2008:
¿Cuáles son los temas básicos y los elementos argumentales que buscas explorar en "Red Mass"?

Hay un poco de la temática de búsqueda de la redención en ralación al arco de nuestro personaje principal, pero también hay una exploración de cómo, a través de la historia, la idea de utopía ha cambiado. Hoy nuestra idea básica de utopía es algún tipo de hermandad socialista, fraternal e igualitaria, todos los hombre son iguales, libertad, etc. una sociedad libre donde respetas al resto de los hombres, donde trabajamos juntos por el mejoramiento de todos y cada uno de los hombres. Esa es nuestra idea hoy, pero al amanecer de la primera, segunda y tercera centuria, la idea de utopia era la eternidad. La vida era tan mala y tan difícil que la idea de una sociedad perfecta era morir y reunirte con tus dioses. Entonces es que la vida se hizo mejor y apareció la perfección de la vida. Así que tienes a un personaje de aquella época cuya idea de la sociedad perfecta es aquélla, que interactúa con interpretaciones modernas de lo que es la utopía, así que también acabas con ideas de utopía en conflicto a lo largo del tiempo. Sociedad perfecta es tal vez una mejor manera de expresarlo que utopía
El contraste de pensamientos es fácil de leer en la revista, pero lo de las utopias no tanto y creo que en definitiva, tras tanto concepto ambicioso utilizado por Hickman, la historia se queda corta en alcance y ambiciones y se transforma simplemente en el contexto dentro del cual el protagonista toma sus decisiones. Creo que dado que parte de la idea era contrastar los valores de Mars con los del prototipo del que se origina, habría sido más interesante hacerlo de un modo algo más extenso y con Mars adoptando decisiones que uno pudiese identificar como antagónicas a las de su inspirador, pero sin llegar a ser alienantes, sino que expresadas de tal manera que uno pudiera tal vez simpatizar con ellas o al menos comprenderlas.

En fin, quedé con gusto a poco y algo confundido porque la revista abarca mucho y aprieta poco, no hace bien el trabajo de evolución sicológica de su protagonista, introduce personajes que no aprovecha (como The Benefactor) y la Invasión que siempre avanza como telón de fondo no se resuelve de una forma épica que uno pueda considerar atractiva al menos visualmente.

El dibujo de Ryan Bodenheim es muy atractivo, es sumamente consistente en el aspecto de los personajes, muy claro en las secuencias y de pocas líneas dando lugar a que el trabajo de coloreado complemente el dibujo. El color es bastante interesante aunque el trabajo realizado más que preocuparse de colorear las viñetas elemento por elemento, se concentra en crear una atmósfera de color con tonalidades ad-hoc.


Red Mass for Mars no es una mala historia, pero tampoco es brillante, lamentablemente falla en la ejecución de ideas que en su origen parecen interesantes, quedándole grande la ambición de su planteamiento inicial. Ignoro si su dilatada publicación (los 4 números demoraron 2 años en aparecer), influyeron en el resultado, pero sin lugar a dudas que no habrán ayudado. Recomendada con reservas.

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miércoles, 12 de octubre de 2011

Reseña: Avengers 1959

Por Alberto Calvo. 

Part 1 of 5

Historia y arte: Howard Chaykin

Color: Jesus Aburtov
Rótulos: Jared K. Fletcher

Portada: Howard Chaykin y Jesus Aburtov
Producción: Manny Mederos

Editora: Lauren Sankovitch

Fecha de publicación: 5 de octubre de 2011

Desde hace varios años se suscitó unas moda entre las editoriales de comics de introducir nuevas historias o elementos de historias conocidos como retcons, abreviación de retro-continuidad, donde se alteraban orígenes o antecedentes de personajes convirtiendo la nueva información en parte del canon oficial de los mismos.

Esto derivó en sagas completas teniendo lugar en diferentes épocas, en ocasiones provocando confusión y molestia entre los lectores, pues las historias no siempre resultaban de la mejor calidad. Esta clase de historias se siguen publicando de manera constante, aunque rara vez se hace énfasis en su lugar dentro de la continuidad "oficial". Ese parece ser el caso de Avengers 1959.

Nick Fury ha estado al servicio de los Estados Unidos desde siempre, o casi. Veterano de la Segunda Guerra Mundial, en 1959 era el líder de un grupo de héroes dedicados a velar por la seguridad del mundo libre ante la creciente amenaza del bloque comunista y los restos de las fuerzas nazis.

El grupo estaba formado por varios personajes de diversos rincones del Universo Marvel, y todos consideraban que su trabajo estaba hecho y era hora de seguir con sus vidas por separado. Al menos hasta que alguien decidió intentar eliminarlos uno por uno pero al mismo tiempo. ¿Qué clase de amenaza se cierne sobre el mundo, que primero pretende eliminar a los Avengers?

Lo Bueno: Howard Chaykin es un dibujante cuyo peculiar estilo no siempre es del agrado de todos, pero me parece que se presta de manera ideal para esta historia puesta cincuenta años en el pasado. La historia se siente agradablemente ligera, lo que se agradece en una era donde pareciera que entre más crípticas y confusas resulten las historias son más apreciadas. El color, brillante y saturado de tonos vivos, resulta un complemento ideal para el arte de Chaykin.

Lo Malo: No sé si sea un signo de lo que nos espera en los próximos meses, pero me parece un movimiento dictado por marketing el lanzar una historia con el nombre de Avengers cuando éste no parece estar justificado. Espero estar equivocado y que la historia ofrezca una justificación para el uso del nombre.

Lo Feo: Nazis. Siempre y donde sea, ficción o realidad.

El Veredicto: Avengers 1959 parece ser una entretenida miniserie, cuya ambientación retro resulta un refrescante cambio en relación a otras historias disponibles en los estantes. Además, siempre me han gustado las intrigas de espionaje y acción situadas en la Guerra Fría. Si gustan del arte de Howard Chaykin, este es uno de los trabajos donde más luce su estilo, y resulta una lectura bastante ligera.

Recomendado con algunas reservas, pues se trata de material simple y sin pretensiones, lo que puede decepcionar a algunos.

Calificación:

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Reseña: All-Star Western #1

por Esteban Pedreros

Guión: Justin Gray y Jimmy Palmiotti.
Dibujos: Moritat.

Color: Gabriel Bautista.
Rótulos: Rob Leigh.

Editores: Kate Stewart (Asistente) y Joey Cavalieri.
Editorial: DC Comics.

Portada: Moritat.

Fecha de Publicación: 28 de Septiembre de 2011.

Hace muchísimo tiempo que Justin Gray y Jimmy Palmiotti vienen trabajando con Jonah Hex a un altísimo nivel y me parece bastante loable que DC Comics haya mantenido a flote la serie a pesar de que sus niveles de ventas sea muy bajos.

Llegó el relanzamiento y era hora de darle un pequeño impulso a la serie. El dibujante, Moritat, que venía de ilustrar la serie de "The Spirit" se hace cargo del dibujo, en tanto que Grey y Palmiotti siguen a cargo del guión. Parte de la idea de esta serie es transformarse en una antología compuesta por una historia central protagonizada por Jonah Hex, y complementos protagonizados por otros personajes DC del viejo oeste.

La primera historia de esta nueva serie pone a Jonah Hex en un territorio algo inusual, lejos del viejo oeste y en medio de la bullante Gotham City a donde ha sido convocado como Cazarecompensas, para hacerse cargo de apresar al Carnicero de Gotham ("Gotham Butcher"), tarea en la que contará con la muy peculiar ayuda del Doctor Amadeus Arkham, quien asume el rol de narrador de la historia y analista (a distancia), de Hex. A poco andar la improbable dupla investigativa se da cuenta de que el misterio del Carnicero de Gotham es mucho más complejo de lo que pensaban y que involucra a gente de muchísimo poder en el sórdido mundo de Gotham City.

La serie toma prestados varios elementos de novelas de la época victoriana Inglesa y la época misma. Sin ir a muy lejos el villano recuerda Jack el Destripador y los eventos que examinara Alan Moore en su serie From Hell, asimismo creo haber visto algún cameo del Conde Drácula, aunque en la Gotham de fines del siglo XIX (1880), no resulta demasiado descabellado pensar que todos los males de la tierra puedan habitarla.

Creo que la historia es interesante por varios motivos: a) Amadeus Arkham (el fundador del Asilo Arkham). Todos los Arkham parecen transitar demasiado cerca de las enfermedades mentales que combaten y habrá que ver qué tanto del Amadeus de la Novela Gráfica de Morrison podrá verse en ésta historia b) Jonah Hex es como Bill Munny con una grave deformación facial. La interpretación que hacen Gray y Palmiotti me agrada mucho y si ya la conocen, esto es más de lo mismo (lo que es bueno), c) Gotham City, tan importante en los cómics de Batman como el mismo protagonista y sus villanos más destacados. Es agradable ver que hay cosas que no cambian.

El dibujo de Moritat es muy agradable, muy claro, con un excelente trabajo de fondos y expresiones faciales. Se nota que hay una preocupación del dibujante en la elaboración del Paisaje urbano de una Gotham post-Guerra Civil y si bien hay una que otra expresión algo exagerada, la suma de su trabajo es muy atractiva.

All-Star Western tiene un arranque sólido, transformándose en una de las series más atractivas de este relanzamiento (la pongo entre las 5 mejores). Dado el género al que pertenece y la baja popularidad de sus protagonistas es altamente improbable que se transforme en un suceso de ventas, pero habría que darle una oportunidad... especialmente si están leyendo algo como Hawk & Dove, Red Hood and the Outlaws o Batman: The Dark Knight, en vez de esto. Altamente Recomendada.

Calificación:

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jueves, 6 de octubre de 2011

Reseña: The Strange Talent of Luther Strode #1

The Strange Talent of Luther Strode #1
Tradd Moore y Felipe Sobreiro
Por Alberto Calvo.

Escritor: Justin Jordan
Artista: Tradd Moore

Color: Felipe Sobreiro
Rótulos: Steven Finch

Portada: Tradd Moore y Felipe Sobreiro
Pin-up: Frank Dunbar y John Mizzer

Fecha de publicación: 5 de octubre de 2011

Aquellos de ustedes que lleven suficientes años leyendo comics, seguramente recordarán los anuncios que aparecían en la contraportada de los mismos (o en el interior de la misma), donde se ofrecían toda clase de artilugios de dudosa efectividad, desde gafas de rayos X, hasta cursos para detectives privados o métodos para aprender a leer la mente.

Estos anuncios también aparecían en las versiones traducidas de los comics, pues al menos en México las publicaciones de Novaro y Novedades Editores los incluyeron durante mucho tiempo. Sin duda uno de los más recordados -no sé si también populares, pues nunca he sabido de nadie que haya comprado el curso- era el del sistema de Charles Atlas para desarrollar los músculos del cuerpo. Esto viene a colación porque esos anuncios fueron lo que inspiró a Justin Jordan para crear este comic.

Luther Strode es un adolescente como muchos otros, delgado y de apariencia frágil, quien suele ser el blanco favorito de los bullies en su escuela. Aficionado a los comics, Luther decidió comprar el Hercules Method, un sistema de desarrollo muscular anunciado en los mismos, para ver si el libro podía ser la solución a sus problemas. Ahora, el problema puede ser uno aún más complicado, pues desde que empezó a seguir las instrucciones del libro, Luther parece haber empezado a desarrollar fuerza, resistencia y reflejos sobrehumanos.

¿Qué secreto hay detrás de la transformación de Luther? ¿De quién se esconden él y su madre? Tenemos cinco números más para averiguarlo.

Lo Bueno: La premisa puede parecer demasiado simple o incluso ridícula, pero Jordan hace un gran trabajo al no quedarse solo en la superficie de la historia. Es evidente que hay un misterio siniestro detrás del curso, o al menos detrás de la transformación de Luther, si es que ésta relacionada con aquel. Los personajes reciben un mínimo de caracterización a través de los diálogos, así que no son solo cartones, y es fácil identificarse con Luther.

El arte de Moore me sorprendió por lo bien que funciona su estilo, por momentos bastante cartoony, con escenas de extrema violencia, logrando un tono que solo puedo definir como tarantinesco. El arte es bastante limpio, con una narrativa muy limpia y clara, que se vuelve apropiadamente sucio en las secuencias de violencia explicita, maximizando el contraste entre diferentes escenas.

El complemento ideal para el efecto es la colorida paleta utilizada por Sobreiro para esta serie. A pesar de utilizar colores muy vivos, Felipe consigue darles una apariencia apagada y hasta cierto punto pálida, otorgando a la historia una atmósfera bastante adecuada. Felipe es un buen amigo desde hace unos años, y da gusto verlo participar constantemente en nuevos proyectos, sobre todo porque nunca decae su nivel de calidad.

Lo Malo: No sé si sea un buen momento para lanzar nuevas series al mercado, pues entre el relanzamiento de DC y la constante cascada de títulos que Marvel ofrece mes a mes, los espacios en stands y mesas de las tiendas son limitados. Por otro lado, la idea es que hay lectores nuevos en busca de comics, así que la posibilidad de hallar una audiencia está allá afuera. El hecho de tratarse de una serie finita también puede ayudar a atraer a quienes no deseen comprometerse en un título a largo plazo, así que habrá que esperar.

Lo Feo: Tripas expuestas, desmembramientos extremos, y mucha, mucha sangre... Momento, no sé de estoy hablando. Yo disfruto de esas cosas en cierta clase de historias, y ésta es una de ellas.

El Veredicto: The Strange Talent of Luther Strode es una historia interesante y bien realizada, aunque probablemente habrá quienes encuentren difícil digerir algunas de las escenas de violencia gráfica. Es decir, no es para toda clase de público lector, pero es la clase de cosa que le gusta a quienes gustan de esta clase de cosas.

Lectura recomendada, aunque con las reservas arriba mencionadas.

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miércoles, 5 de octubre de 2011

Wednesday Comics: Parte 1

por Esteban Pedreros.


Hace algunas semanas me llegó un pedido que quería realizar desde hace tiempo, pero lamentablemente había tenido que posponer... dentro de listado de TPBs y HCs que encargué venía "Wednesday Comics", un proyecto que me atrajo desde que fue anunciado, pero que no tuve posibilidad de adquirir en su momento.

Si bien la edición de tapa dura es bastante grande (28 x 45 cms.), no alcanza las dimensiones de la publicación original (14 x 20 pulgadas, algo así como 36 x 51 cms), como nunca pude ver aquella, lo que puedo decirles de esta edición es que el tamaño es suficientemente grande como para impresionar y leer en forma adecuada todas las tiras que la componen. La edición es muy bonita, está muy bien cuidada y a pesar de costar casi 50 dólares (49.99, algo así como 25 mil pesos chilenos), pueden rebuscárselas para conseguirla por un mejor precio a través de sitios como Amazon o The Book Depository (entre otros).

El proyecto incluía 15 tiras individuales semanales, hasta completar un total de 12 entregas de cada una... en la recopilación no vienen ordenadas de esa forma sino que las 12 tiras vienen separadas por personaje y son recopiladas cronológicamente. Ya que no puedo opinar sobre la experiencia de lectura semanal de Wednesday Comics, decidí dividir el análisis por tira, hasta completar las 15 series en tres entregas semanales (crucemos los dedos).

1) Batman (Guión: B. Azzarello; Arte: Eduardo Risso): El equipo creativo de 100 Bullets entrega lógicamente una historia de crimen o de cine noir, en realidad, que sigue todos los clichés del género.

Batman se ve involucrado en la investigación del asesinato de un prominente ciudadano de Gotham City, donde los principales sospechosos son el ambicioso, pero frustrado hijo del magnate, y la joven y sensual esposa trofeo del difunto.

Un poco de Humphrey Bogarth, muchísimos negros de parte de Risso, una femme fatale a la altura de las circunstancias y una historia que se deja leer, pero que no se siente particularmente inspirada.

El arte del argentino Eduardo Risso es fenomenal y aquí no destiñe, se lo ve cómodo en el formato, sacándole bastante provecho al tamaño de la página, tanto para incluir mayor cantidad de viñetas de las que se utilizaría en un formato más tradicional, como para expandir el tamaño de las mismas en aquellas escenas que lo ameriten. 7/10.



2) Kamandi: The Last Boy on Earth (Guión: Dave Gibbons; Arte: Ryan Sook): No sé mucho de Kamandi, así que no puedo referirme a qué tan respetuosa es la tira respecto del trabajo de Kirby, pero intuyo que debe ser bastante cercana al material original.

Esta serie me impresionó por el nivel de dibujo que entrega Ryan Sook. Como expresa el mismo Mark Chiarello (el Editor e impulsor del proyecto), en sus comentarios, el arte de Sook evoca el Principe Valiente de Harold Foster y de muy buena manera.

La historia también es bastante satisfactoria, de las 5 tiras que comento en esta entrega, ésta es la que se lee de mejor manera, tanto en forma individual como al leer los 12 capítulos en orden, habiendo logrado el que yo creo que fue el mejor aprovechamiento del formato.

El Gran Caesar, Rey de la Nación mutante de los Tigres, ha sido capturado por la nación de los Simios quienes pretenden ejecutarlo en su capital, la ciudad de Shintu, y el príncipe Tuftan recluta la ayuda de Kamandi para rescatar a su padre y acabar con la amenaza que supone para todos, el alzamiento de la nación de los Simios con hambre de conquista. El camino a Shintu está poblado de aventuras, una de particular interés para Kamandi cuando descubra la presencia de una joven, víctima también de la nación de los Simios, y se ponga en peligro del título del "último joven de la Tierra".

Kamandi es una historia de aventuras en el escenario de ciencia ficción de un futuro distópico, donde el trabajo que resalta es el del dibujante (algo común a la totalidad de la serie o más bien la razón de ser de la misma), pero acompañado de una historia sólida y satisfactoria. Sook me impresiona porque estoy acostumbrado a ver sólo sus portadas y aquí muestra gran destreza a la hora de representar grandes enfrentamientos, otros no tan grandes, y porque cada una de las criaturas que pueblan la serie estan dotadas de fuerza y personalidad. 8.5/10


3) Superman (Guión: John Arcudi; Arte: Lee Bermejo): Y por fin tuve la oportunidad de conocer a Lee Bermejo, los proyectos que le conocía (un par de miniseries con Azzarello sobre Luthor y el Joker), no se me hacían particularmente interesantes así que no había visto su trabajo.

Tras un enfrentamiento con un alienígena, Superman comienza a sentirse fuera de su lugar en se planeta adoptivo y empieza un proceso de introspección algo aburrida, pero que afortunadamente dura un par de páginas y no todo un año como la última que sufrimos. Siento respeto por Arcudi, de quien he leído muy buenos cómics, pero un día de estos escribo algún artículo de por qué me fastidian tantos los cómics sufridos de Superman.

El arte de Bermejo es limpio, claro, atractivo y logra darle a Superman una interpretación grandilocuente que impresiona y admira. No sé si el trabajo de coloreado (Barbara Ciardo) me satisface del todo, pero el resultado final se ajusta al concepto que tenía del arte de Bermejo antes de verlo en más detalle, así que algún grado de complicidad tendrá con el artista.

El guión no es malo, pero no me resultó muy atractivo y creo que es la más floja de las series de esta primera entrega. 6/10.



4) Deadman (Guion: Vinton Heuck y Dave Bullock; Arte: Dave Bullock): No conozco a Dave Bullock, así que cuando llegué a la tira de Deadman mi cerebro me hizo una mala jugada y por un momento me vino el nombre de Darwyn Cooke a la cabeza (del mismo modo que pudo venir Glenn Murakami o Bruce Timm).

Deadman es una novela negra con tintes supernaturales o al revés, una historia supernatural con tintes de novela negra o cine noir. Boston Brand es atraído a la sangrienta escena de un crimen que es revisada en forma algo abúlica por la policia. Con la convicción de atrapar al responsable del horrendo crimen, sale en su búsqueda y tropieza por accidente con un homicidio en curso, cuyo perpetrador parece ser el mismo que llevara a cabo el crimen original.

Rama Kushna, la misteriosa deidad que le diera a Boston la habilidad de existir como un espectro capaz de poseer el cuerpo de los vivos para resolver crímenes, surje al paso del ex-acróbata conminándolo a no intervenir. Boston desoye la orden y de pronto se ve atrapado en una dimensión demoniaca, de la cual tendrá que escapar con el uso de su ingenio y bajo la amenaza inminente de una muerte definitiva, al descubrir que en esta extraña dimensión, ha recobrado su forma corpórea.

El arte de Bullock es muy cercano al de los autores que ya mencioné (Cooke, Timm), y por lo tanto es sencillo, ágil y dinámico, esforzándose mucho el dibujante en explorar un enfoque distinto en la composición de cada una de las entregas que conforman su aporte... un poco de Kirby, mucha brocha, un toque de sicodelia y el resultado final es bastante más atractivo de lo que esperaba sin llegar a ser descollante. 7.5/10.


5)  Green Lantern (Guión: Kurt Busiek; Arte: Joe Quiñones): No siento gran amor por Hal Jordan, creo que por lo majadera que ha sido mucha gente en tratar de convencerlo a uno de que es el mejor Green Lantern de todos, de modo que Kurt Busiek fue el gran responsable de que no decidiera saltarme esta historia y dejarla para el final.

En medio de la emisión de un programa de TV en vivo, el astronauta Joe "Dil" Dillon, sufre una extraña transformación, por lo que es responsabilidad de Green Lantern investigar la naturaleza de la amenaza. Lo que ignoran todos, es que Hal Jordan y Joe Dillon son viejos amigos y rivales del programa espacial de preparación de astronautas, por lo que Hal evocará la historia de esta particular amistad antes de hacer frente a una Invasión Alienígena.

Si hay una historia en la que me haya gustado la presencia de Hal Jordan, esa es "Justice League: The New Frontier", la notabilísima obra de Darwyn Cooke, que es uno de mis cómics favoritos de todos los tiempos y que es la inspiración directa para esta interpretación del impulsivo, osado e imprudente Hal Jordan... eso ayuda a que la historia se haya hecho más disfrutable, pero lo que realmente me agradó fueron todos los detalles de época que incluye Quiñones, que ambientan esta historia en plena carrera espacial (principios de los '60s).

El arte de Quiñones es muy cercano a la animación (me recuerda un poco el estilo de dibujo de la película "The Iron Giant"), alejándose de los parámetros superheróicos. Segun señala Chiarello se trata de uno de los artistas menos experimentados, pero sin duda es bastante talentoso y se nota el empeño que puso en ambientar correctamente la historia. El guión de Busiek no es malo, pero está pensado como una historia de 12 partes y en algunas de sus entregas no saca gran provecho del dibujante, lo que es lógico dentro del desarrollo de una historia de 12 páginas, pero dado que el propósito era que cada entrega fuera una explosión visual, se vuelve algo aburrido a ratos el desarrollo. Tal vez un artista un poco más maduro le habría pedido alguna revisión al guionista y eso se extraña en esta historia, pero de todas maneras hay lugar para que Quiñones se luzca... especialmente en la página que acompaña estos párrafos. 7/10.


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martes, 4 de octubre de 2011

Reseña: Voodoo #1

Voodoo #1 - Sami Basri
Por Alberto Calvo.

Keeping Secrets

Historia: Ron Marz
Arte: Sami Basri

Color: Jessica Kholinne
Rótulos: Jared K. Fletcher

Portada: Sami Basri con Sunny Gho

Editor: Brian Cunningham
Editor asistente: Darren Sha

Fecha de publicación: 28 de septiembre de 2011

Una de las principales quejas -misma que comparto- sobre el relanzamiento de DC Comics, era la falta de capacidad para integrar un staff editorial competente y la inhabilidad para reclutar a un grupo de escritores que facilitase el trabajo de lanzar de cero toda la línea de la editorial, y el disparejo nivel de calidad mostrado en este primer mes de los Nuevos 52 parece darnos la razón.

Ron Marz y Voodoo pueden ser el perfecto ejemplo de la diferencia que puede hacer un buen escritor en una serie cualquiera.

Priscilla Kitaen es una bailarina exótica con un pasado secreto. Ni siquiera sus compañeras de trabajo conocen algo más que su nombre, y las pláticas detrás del escenario no revelan demasiado. ¿Qué clase de secretos puede ocultar que ameriten que haya dos agentes de alguna corporación indeterminada siguiendo todos sus movimientos?

Lo Bueno: Ron Marz es un escritor bastante capaz que siempre se ha caracterizado, entre otras cosas, por escribir personajes femeninos fuertes y creíbles, y este título no es la excepción. A diferencia de Scott Lobdell y su pobre manejo de la sexualidad de Starfire, Marz escribe un comic que puede ser sexy y sugerente, pero donde las mujeres no son objetos sexuales. La historia plantea los suficientes misterios como para ser intrigante e invitar al lector a volver por más, sin tener que ser tan oscura u oblicua que resulte incomprensible.

El arte de Sami Basri es bastante agradable a la vista, muy limpio pero con suficiente trabajo en los detalles. El limpio trazo que ocupa me parece un punto intermedio entre Rob Haynes y Cliff Chiang, y es perfectamente complementado por la brillante paleta de colores elegida por Jessica Kholinne para el título.

Lo Malo: Como el resto de los títulos heredados de Wildstorm, sin duda será de los que sufran para encontrar su audiencia. Ojalá y me equivoque, porque se trata de uno de los títulos que merecen sobrevivir de entre los Nuevos 52.

Lo Feo: Alienígenas metamorfos. Pueden no ser feos todo el tiempo, pero son los más peligrosos.

El Veredicto: Voodoo #1 resultó una agradable sorpresa, sobre todo considerando que, a pesar de que soy fan de Wildstorm, nunca se trató de un personaje que me pareciera suficientemente interesante como para tener su propia serie. Si, tuvo una miniserie escrita por Alan Moore que fue buena, pero era Alan Moore, no el personaje. Habrá que ver como se desarrolla la historia y que aceptación recibe, pero les sugiero que le den una oportunidad, pues podrían llevarse una grata sorpresa.

Lectura recomendada.

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Reseña: I, Vampire #1

por Esteban Pedreros

Guión: Joshua Hale Fialkov.
Dibujos: Andrea Sorrentino.

Color: Marcelo Maiolo.
Rótulos: Pat Brosseau.

Editores: Wil Moss (Asistente) y Matt Iselson.
Editorial: DC Comics.

Portada: Jenny Frison.

Fecha de Publicación: 28 de Septiembre de 2011.

 Debo decir que no imaginé que acabaría redactando esta crítica y mucho menos que sería una favorable.

No sé si lo han notado, pero los vampiros están de moda, especialmente una subclase que no es mucho de mi agrado. Cuando se anunció que "I, Vampire", formaría parte de la 52 series del relanzamiento, pensé que lo haría como estandarte del género romático... afortunadamente me doy cuenta que se trata de una serie de horror, que se toma a los vampiros en serio y que además pinta bastante interesante.

I, Vampire es una serie creada originalmente por J.M DeMatteis y Tom Sutton, que se publicó dentro de la revista House of Mystery, en forma serializada entre 1981 y 1983, por un total de 24 números. Cuenta la historia de Lord Andrew Bennet, quien tras ser transformado en vampiro transforma también a su amante, Mary Seward, con terribles resultados. La amada de Bennet es poseida por la sed de sangre humana, adopta el nombre de "Mary, Queen of Blood" (Mary, Reina de la Sangre) y crea un grupo de vampiros llamados "The Blood Red Moon" (La Sangrienta Luna Roja), con el objetivo de conquistar el mundo, algo que Bennet debe luchar por impedir.

En esta nueva encarnación vemos a Bennet ante un escenario desolador, una ciudad ha sido devastada por el ataque de Vampiros y los cadáveres se apilan en las calles. Bennet camina estaca en mano, con la firme intencion que ninguno de ellos se una a las huestes de la noche y es así como nos enteramos del encuentro que precedio a la masacre. Mary le cuenta que los Vampiros viven oprimidos, que estan destinados a gobernar el mundo, pero deben conformarse con vivir en las sombras y que ya no quiere saber más de eso... lo invita a unirse a su iniciativa pero Andrew Bennet declina, firme en su convicción de que los vampiros son una abominación que no debe existir y que el mundo es para los vivos. Aquí nos damos cuenta de la convicción que hay tras las palabras de Mary y el tipo de guerra que está dispuesta a llevar a cabo para lograr sus objetivos.

Debo decir que esta serie me tomó completamente por sorpresa, no conozco a ninguno de los integrantes del equipo creativo y por tanto no sabia que esperar de ellos, mucho menos cuál podía ser el tipo de historia que DC quería que se contara con un personaje que ha pasado mayormente desapercibido en los últimos años. Me encuentro con una historia de horror, con componentes trágicos y algún grado de romanticismo también en el lazo que une a los antagonistas y que le da peso al conflicto de la historia.

El arte de Andrea Sorrentino es muy oscuro y bastante interesante, parece un artista que habría encajado muy bien en algún cómic del sello Vertigo (que hasta cierto punto es el caso de esta historia) y que utiliza muchísima tinta en su arte, con un fuerte trabajo de contrastes y establecimiento de atmósferas. El color es bastante agradable, tiene un tono oscuro ad-hoc a la historia, pero dado lo sólido que es el trabajo del dibujante creo que hasta me habría gustado ver la revista en Blanco y Negro.

I, Vampire es una rareza en el mercado del cómic estadounidense, especialmente viniendo de una Editorial grande como DC Comics. Creía hace tres meses que era una seria candidata a transformarse en miniserie de seis números tras sus primeros reportes de ventas y lo sigo creyendo, aunque ahora pienso que eso será una verdadera lástima. Muy Recomendada.

Calificación:

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lunes, 3 de octubre de 2011

Reseña: The Flash #1

por Esteban Pedreros

Guión: Francis Manapul y Brian Buccellato.
Dibujos: Francis Manapul.

Color: Brian Buccellato.
Rótulos: Sal Cipriano.

Editores: Darren Shan (Asistente) y Brian Cunningham.
Editorial: DC Comics.

Portada: Francis Manapul y Brian Buccellato; Ivan Reis, Tim Townsend y Rod Reis.

Fecha de Publicación: 28 de Septiembre de 2011.

Este relanzamiento en particular me tenía preocupado, porque me he identificado como fan de Flash desde que asomé mi cara por internet hace unos 12 o 13 años... porque, bueno... soy fan de Flash o más precisamente, soy Fan de Wally West, distinción que los seguidores de Ben Reilly podrán entender. En el último tiempo DC no ha tratado bien a los fans del velocista escarlata y porfiadamente seguimos esperando que alguien, de tanto golpear el timón, logre darle al barco la dirección correcta... veamos qué pasó en este número uno.

Primero que todo, éste es un número #1 muy bien ejecutado. Si alguien tenía dudas de que Francis Manapul y Brian Buccellato, conocidos por su trabajo en el apartado gráfico de la serie, pudieran escribir The Flash, pues puedo decirles que hacen un mucho mejor trabajo que el que hizo Geoff Johns en los últimos años (donde nos tocó sufrir desde "Flash: Rebirth", hasta "Flashpoint", sin ninguna historia medianamente satisfactoria en el intertanto). Dado el bajo estándar comparativo, temo que tampoco puedo prometerles que se trata de la mejor historia de Flash que haya leído.

Gil Grissom es un joven detective de la Policía Científica... ¿dije Gil Grissom?, quise decir "Barry Allen". Barry es un joven Detective de la Policía de Central City, donde se ocupa de resolver crímenes desde el laboratorio, tiene un interés romático por una compañera de trabajo, Patty Spivot (Pre-Crisis o antes de 1985, Patty era la asistente de laboratorio de Barry Allen. Geoff Johns la trajo de vuelta como tercera en discordia en la saga "The Dastardly Death of the Rogues"), a quien invita a una cita Nerd, apropiada para ambos, asistir a un Simposio de Tecnología. En medio de la visita, el lugar es atacado por un escuadrón de asaltantes que busca un invento en particular exhibido en el simposio, pero deberán hacer frente a The Flash.

Flash logra rescatar el artefacto que fue robado, un re-codificador genético, pero descubre con amargura que uno de los ladrones a quien pensaba simplemente haber dejado inconciente, ha muerto, aparentemente debido a sus acciones heróicas y que se trata del cadáver de un viejo amigo del Colegio y la Universidad, a quien identifica como "Manuel".

Entra en acción Iris West (otrora, novia, esposa y luego madre de los hijos de Barry), atrevida reportera en asenso, quien no escatima esfuerzos en conseguir la exclusiva de parte de de Barry, lo que obviamente desata los celos de Patty. Conforme Barry avanza en la investigación de la aparente muerte de su amigo, recibe la visita de un misterioso personaje que amenaza darle un giro completo a la historia.

Esta es una de las revistas más bonitas de todo el lote de las 52. Cuando se anunció originalmente a Manapul (en el número #1 del año pasado), que venía de hacer la Legión con Shooter y Adventure Comics con Johns, no me mostré muy entusiasmado, porque me parecía entonces que era un dibujante al que le faltaba trayectoria para hacerse cargo del personaje, pero más importante aún, me parecía que era uno más de la enorme cantidad de artistas que se enamoran del manga, del estilo Image de los 90s, aprenden 20 poses y las repiten hasta el cansancio. Eso pensaba entonces y puedo decir con alegría que estaba equivocado.

Manapul tiene un estilo influenciado por el manga (o el animé y la animación, en realidad), pero es un tipo talentoso por lo siguiente: si comparas el trabajo que hizo en la Legión de Shooter con el que hace actualmente, es como comparar el día y la noche, el progreso es enorme y fantástico y ya está a un nivel donde lo que le preocupa es el diseño de página y la claridad narrativa, más que las poses y los músculos. Miren esto:


Acá Rich Johnston destaca una página que también me gustó (bajen hasta la mitad de la página).

Una de las nuevas claves visuales interesantes está en la transformación de Flash. Si se fijan bien en la página publicada, verán que no sólo la tela del traje sale disparada hacia adelante para luego unirse al cuerpo de Flash, el símbolo del pecho es el mismo símbolo del anillo, que se expande y ubica en la posición correcta... "sí, sólo en los cómics", pero por eso nos gustan.

Creo que lo que no me termina de convencer son los tonos pastel en que está coloreada la revista. Se ve bien, no cabe duda, pero le dan un estilo retro a un personaje que tal vez requiera una paleta un tanto más brillante. Esto es muy armónico con los ink-washes (uso de tinta diluida para darle profundidad al dibujo), que utiliza Manapul, pero preferiría ver un acabado más vibrante y llamativo.

La mayor crítica que puedo hacerle a éste número no es de responsabilidad de su equipo creativo, ni es muy objetiva que digamos.

¿Si lo que se buscaba era rejuvenecer a Flash, por qué no se le dio el tratamiento de spa a Wally West?

Resulta muy frustrante y difícil de entender lo hipócrita de traer de vuelta a un personaje cuya desaparición ya había dejado de ser debate debido a la cantidad de años que llevaba muerto (22 a la fecha de su resurrección), y que para la generación que crecimos leyendo a Wally West era considerado como el Flash de nuestro padres (así como Jay sería el Flash de nuestros bisabuelos) y desaparecer de continuidad al personaje más joven y más exitoso, al que se le envejeció a punta de malas decisiones de guionistas y Editores. ¿No tendría más sentido un Wally West de veinti-tantos años, con o sin novia, sin hijos, un tanto inexperto y uniéndose a la JLA?

Lamentablemente hay que apretar los dientes, no queda de otra, la decisión de la Editorial ya es firme en ese aspecto.

The Flash #1 hace bien todo lo que tiene que hacer bien, introduce al protagonista, al elenco secundario y establece la historia a desarrollar. Lo que queda en el aire es un poco del sonido blanco del lector de años que se da cuenta que los últimas décadas del personaje no importarán mucho de ahora en adelante, pero para el público nuevo se trata de un arranque sin tropiezos y con buen prospecto. Recomendada

Calificación:

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